tag:blogger.com,1999:blog-191381582024-03-06T01:23:02.532+01:00Culturecide OrganEscombros del pensamiento sobre las ruinas de la decadencia.Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.comBlogger15125tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-87107833822247495492011-11-21T13:46:00.001+01:002011-11-21T13:56:03.773+01:00Una prehistoria de la música Industrial<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">El presente artículo fue publicado por primera vez en 1995, en el número 5 de EST Magazine, una pequeña publicación sobre música underground que tuvo un total de 7 números. En sus páginas albergó decenas de artículos, entrevistas y reseñas de artistas e intelectuales, más o menos, vinculados a la escena Industrial.<o:p></o:p></span><br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: right;"></div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: right;"><i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">"¿Cultura industrial? Existió un fenómeno; <o:p></o:p></span></span></i></div><div style="text-align: right;"><i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">No sé si fue tan fuerte como para llamarlo cultura. Pero pienso que lo que hicimos <o:p></o:p></span></span></i></div><div style="text-align: right;"><i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">tuvo una resonancia alrededor del mundo que volvió hacia nosotros."<o:p></o:p></span></span></i></div><div style="text-align: right;"><span lang="EN-US" style="font-size: 12pt; mso-ansi-language: EN-US; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;"><br />
Genesis P. Orridge (Throbbing Gristle) [1] <o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Muchas veces pensé que alguien debería escribir una historia de la música industrial. Lamentablemente, los mejores libros sobre música industrial (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Industrial_Culture_Handbook" target="_blank"><span style="color: blue;">Industrial Culture Handbook</span></a></i>” de Re/Search y “<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://www.amazon.com/Tape-Delay-Confessions-Eighties-Underground/dp/0946719020" target="_blank"><span style="color: blue;">Tape Delay</span></a></i>” de Charrles Neal) fueron ambos escritos mientras el género todavía estaba fresco y en movimiento, y ninguno de los dos nos dice mucho sobre la procedencia de esta música. Una contribución más reciente al campo, “<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://www.ccapitalia.net/reso/resenias/industrial/industrial.htm" target="_blank"><span style="color: blue;">Industrial Revolution</span></a></i>” de Dave Thompson peca de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">américocentrismo</i>, importantes omisiones, errores básicos y de una concentración en el electrobeat y el rock industrial que casi excluye a todo lo demás. Aún así, este artículo no es esa historia; eso tendrá que esperar a alguien mejor calificado que yo.</span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">A cambio, ofrezco una prehistoria, una mirada a la herencia, la tradición, los ancestros. Por más que la música industrial naciera como subversión atemporal, es imposible entender sus logros sin un contexto en donde ubicarla. Pocos o ninguno de sus métodos eran realmente novedosos, aunque el modo en que estos componentes fueron (re)organizados era muy propio de su tiempo.<o:p></o:p></span></span></div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://www.artdesigncafe.com/IMG/jpg/Cosey-Fanni-Tutti-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="168" src="http://www.artdesigncafe.com/IMG/jpg/Cosey-Fanni-Tutti-2.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Cartel de una de las </span><i><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">acciones</span></i><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> de COUM a mitad de los 70.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Antes de poder explorar la prehistoria, necesitamos saber qué es -o fue- la "<i>música industrial</i>". Sería difícil no estar de acuerdo con la idea de que antes de la formación de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Throbbing Gristle </b>como un proyecto paralelo al grupo de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">performance art</i> <b>COUM Transmissions</b> activo desde finales de 1975, la música industrial no existía; y ciertamente, el género tomó su nombre del sello que Throbbing Gristle formó, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Industrial Records</b>. Monte Cazazza suele ser reconocido por haber inventado el término "música industrial", y el sello usó el nombre en un sentido muy específico -como una crítica al deseo de "autenticidad" que todavía dominaba a la música en los setenta-. A pocos de los grupos que inicialmente fueron llamados "industriales" les agradaba este término, aunque a partir de la mitad de los ochenta se convirtió en una palabra que las bandas abrazaban deseosamente, hasta el punto de que en la actualidad, incluso tediosos grupos de rock afirman hacer música industrial. En otros casos, como el grupo de músicos post-minimalistas Icebreaker, son los medios especializados quiénes haciendo equilibrismos les adjudican dicha etiqueta. Unos y otros parecen no preocuparse en exceso por el modo en que califican su música. Así que, para mis propósitos, incluiré dentro del término "industrial" a una gran cantidad de artistas que repudiaron esa calificación. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p> </o:p></span><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Los grupos que fueron editados por Industrial Records (Throbbing Gristle, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Cabaret Voltaire</b>, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">ClockDVA</b>, Thomas Leer y Robert Rental, Monte Cazazza, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">S.P.K</b>., con la probable excepción de The Leather Nun y Elizabeth Welsh) combinaban un interés en la cultura de la trasgresión y el empleo potencial del ruido como material sonoro para componer música. Es evidente que grupos como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Einstürzende Neubauten</b>, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Whitehouse</b> o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Test Dept</b>, sin formar parte del sello, pueden ser considerados bajo los mismos intereses.</span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/eo/3/3f/IndustrialRecords.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/eo/3/3f/IndustrialRecords.png" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">El sello de IR con su siniestra chimenea.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">El imprescindible artículo de Dave Henderson, </span><a href="http://media.hyperreal.org/zines/est/articles/wplanet.html" target="_blank"><span style="color: blue;"><span style="font-family: Calibri;">‘<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Wild Planet’</i></span></span></a><span style="font-family: Calibri;">, ilustraba el estado de la escena "industrial" -principalmente europea-, en 1983. Pero con artistas citados tan diversos como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Steve Reich</b>, Mark Shreeve, AMM y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Laibach</b> era evidente que ni tan siquiera en aquel momento era posible fijar unas fronteras para el concepto de música industrial. Desde entonces, la música se ha fragmentado, de manera notoria en una división entre grupos experimentales y grupos orientados al rock y al dance (o no-comerciales y comerciales). Los grupos industriales más conocidos, como<b> Front 242</b> o <b>Ministry</b>, extrapolan los elementos de la primera música industrial al escenario del rock y la música electrónica; la facción más <i>alternativa</i> prefirió explorar los vínculos de la música industrial con la </span><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Musique_concr%C3%A8te" target="_blank"><span style="color: blue; font-family: Calibri;">musique concrète</span></a><span style="font-family: Calibri;">, la música electrónica académica, la improvisación y el ruidismo más crudo. En los últimos tiempos, gracias a la popularización de la música<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> ambient</i>, diversos artistas implicados en este campo más experimental han logrado una mayor difusión de sus trabajos. </span></span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Es tentador concebir la fragmentación de la música industrial entre el <i>mainstream</i> y el <i>underground</i> como un reconocimiento de la relativa accesibilidad de los diferentes estilos musicales, pero podría llevarnos a error. Como sucede con el jazz o el rock, es otro ejemplo de "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">una música de la revuelta transformada en una mercancía repetitiva... Una continuación del mismo esfuerzo, constantemente reasumido y renovado, de alienar la voluntad de liberación para producir un mercado</i>" [2]. Tal y como esta breve historia de la música industrial aclarará, la música industrial en su génesis articulaba ideas que trascendían de la vendible "rebelión" que el universo del rock ofrece. Era pues inevitable que la industria musical hiciera suya esta actitud agresiva en su forma más superficial y estereotipada. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Está claro que el término "música industrial", si bien no sirve para etiquetar a todas sus manifestaciones musicales y/o artísticas, sirve como un concepto orientativo que nos remite a una red de relaciones musicales y personales, un núcleo de intereses e ideas con el que cada subgénero tiene alguna conexión. La tradición anti-comercial de la música industrial es frecuentemente definida como "post-industrial"; en contraste, este artículo trata de identificar la música "pre-industrial". Sin embargo, como se hará obvio más adelante, existen pocos límites significativos entre la música industrial y sus antecesores. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">En un artículo escrito en Alternative Press, Michael Mahan trató de definir a la música industrial como "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">una reflexión artística de la deshumanización de nuestro pueblo y la inexorable polución de nuestro planeta a través de nuestra organización socio-económica basada en fábricas</i>" [3]. Esta definición es demasiado simplista y esquemática. Si la música industrial fuese simplemente música "anti-fábricas" podría reducirse entonces a un pequeño grupo de luditas reaccionarios. Mahan, al menos, se las arregló para identificar algunos de los predecesores más importantes del género citando a <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Edgard Varèse</b>, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Karlheinz Stockhausen</b>, David Vorhaus, Frank Zappa y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Klaus Schulze</b>. Jon Savage identificó en otro artículo las cinco cuestiones sobre las que se asentaba la música industrial [4]: acceso a la información, tácticas de shock, autonomía organizativa, elementos extra-musicales, el uso de los sintetizadores y la antimúsica. Con el análisis de cada una de éstas empezaría a definirse con claridad el lugar exacto que la música Industrial ocupa en la tradición cultural del siglo XX. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span><br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt;"><br />
</div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt;"><span style="font-family: Calibri;"><b><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Acceso a la información </span></b><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: right;"><span style="font-family: Calibri;"><i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">"En la actualidad la realidad no existe, o todo es real y todo es irreal. <br />
El objeto ya no refiere a la realidad o a la información. <br />
Ambos son un resultado de la selección, el montaje, de la elección de perspectivas... <br />
En estos términos el problema del control no es un problema de vigilancia, <br />
propaganda o paranoia. Es un problema de influencia subjetiva, <br />
consentimiento y extensión a todas las posibles esferas de la vida"<br />
</span></i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Graeme Revell (S.P.K.)<i> </i></span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">La música industrial era, fundamentalmente, música basada en ideas. Más allá de todo su poder e innovación musical, los primeros grupos industriales eran mucho más felices hablando de temas extra musicales que de la música en sí misma, reflejo directo de la escasa formación musical que poseían, al contrario de sus motivaciones filosóficas y literarias. El<b> "Industrial Culture Handbook"</b> está lleno de listas de libros de los participantes. Los libros elegidos por <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Genesis P-Orridge</b> (Throbbing Gristle) incluían a William Burroughs, Philip K. Dick, el Marqués de Sade, Adolf Hitler y Tristan Tzara. Graeme Revell (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">SPK</b>) muestra un repertorio más <i style="mso-bidi-font-style: normal;">intelectual</i> mencionando a Michel Foucault, Samuel Beckett, Jacques Attali y Pierre Proudhon. De aquellos que configuran listas de discos, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Boyd Rice</b> muestra su obsesión por el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">kitsch</i> de los cincuenta y sesenta y Z'ev ilustra su fanatismo por Peter Gabriel, Bob Dylan y Ottis Reading. Sólo el grupo Rythm & Noise admite algún conocimiento de la música de vanguardia, citando a Todd Dockstader, Gordon Mumma, Michael Redolfi y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Iannis Xenakis</b>. <o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://researchpubs.com/Blog/wp-content/uploads/wpsc/product_images/rs67full.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="http://researchpubs.com/Blog/wp-content/uploads/wpsc/product_images/rs67full.jpg" width="150" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">'Industrial Culture Handbook', reliquia de los orígenes del género.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">De todos los principales grupos industriales, <b>Throbbing Gristle</b> fue el más directamente preocupado con la problemática del acceso a la información, habiendo asumido lo que era obvio desde los años sesenta, que un parte creciente del mundo vive inmerso en una sociedad informatizada, y que el poder militar y económico ya no son las únicas formas importantes de la dominación. El líder de Throbbing Gristle, <b>Genesis P-Orrridge</b> postulaba que el control de la información era ya la forma más importante del poder. Afirmación basada en el hecho de que si una persona no cree -o desconoce- que una alternativa existe, claramente no es libre de elegir esta alternativa. Aunque esta conclusión era casi un lugar común en la filosofía contemporánea y entre los teóricos sociales, era una problemática inusualmente compleja para un músico. En palabras de P-Orridge: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">La idea es activar las detonaciones psíquicas que niegan el Control... Intercambiar y liberar la información... Necesitamos encontrar métodos para romper los preconceptos, las modalidades de no-pensamiento, aceptación y expectativas que nos hacen, dentro de nuestros patrones de comportamiento, tan vulnerables al Control</i>". </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt;"><br />
</div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://userserve-ak.last.fm/serve/_/55022461/Throbbing+Gristle+tg1981.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="251" src="http://userserve-ak.last.fm/serve/_/55022461/Throbbing+Gristle+tg1981.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Christopherson, Carter, Fanny Tutti y P-Orridge durante la breve -pero intensa- vida de TG.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Otros grupos, particularmente Cabaret Voltaire y S.P.K. adoptaron perspectivas similares. Genesis P-Orridge continuó, tras de la separación de Throbbing Gristle, haciendo de la diseminación de información y del ataque a los métodos de control basados en ella el eje de su trabajo, a través del grupo <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Psychic TV</b> y la organización “Temple ov Psychic Youth”. Su estrategia más habitual consistía sencillamente en la difusión de textos y publicaciones contraculturales. Incluso en bandas que no estaban particularmente interesadas en este tipo de actividades –probablemente la mayoría de ellas-, el conocimiento de este material influenció claramente su música. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><b><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Autonomía Organizativa/elementos extra-musicales.</span></b><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: right;"><span style="font-family: Calibri;"><i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">"Fuimos el primer sello independiente de Inglaterra que realmente editara <br />
videocassettes hechos profesionalmente"<br />
</span></i><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Peter Christopherson (Throbbing Gristle/Coil) [5]</span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><o:p><span style="font-family: Calibri;"> </span></o:p></span><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">Las producciones independientes no eran nada nuevo en los años del surgimiento la música industrial. Todo género que tuviese un alcance comercial reducido en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mainstream </i>occidental (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">jazz, reggae, "world" music</i>) tenía ya tras de sí una larga historia de sellos independientes pioneros, como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Saturn</i> de Sun Ra, o el sello de música improvisada <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Incus</i>. La creación de Industrial Records no fue un acontecimiento novedoso, pero sí tuvo gran importancia. A diferencia de otras formas de música popular, la música industrial era -y es- crítica de los sistemas de control y los estados de dominación, criticismo que se extrapola con claridad a la industria discográfica. Mientras decenas de formaciones <i style="mso-bidi-font-style: normal;">punks</i> competían por un contrato con una multinacional, ninguna de las primeras bandas industriales contemplaban con mucho agrado el tipo de compromiso ideológico que ello implicaba. <o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Suele ser tema de discusión la idea de que la música industrial nunca habría tenido lugar si el punk no hubiese liberado las expectativas de los oyentes; después de todo, grupos como <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Suicide</b> iban de gira con The Clash, y bandas como las Slits, con su completa impericia para tocar sus instrumentos de forma “ortodoxa” eran tan Dadá como cualquier cosa que deliberadamente se proclamase como tal. Personalmente, pienso que la música industrial habría sucedido de todos modos. La explosión de la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">musique concrète</i></b> no-académica era inevitable. Y la subcultura interesada en diferentes tipos de música experimental era anterior al punk y estaba bien establecida, si bien era pequeña. Ciertamente, la simultaneidad con el punk creó la oportunidad para que la música "industrial" fuese percibida como música "popular", y por ende alcanzara una audiencia más amplia que no hubiese logrado de otra forma. La música industrial y el punk compartieron por un par de años un fuerte deseo por la negación, un fuerte deseo de romper las reglas y de expresar disgusto. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://www.happyhorror.com/pix/Suicide-Alan-Vega-Martin-Rev-Protopunk-No-Wave-Frankie-Teardrop.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="http://www.happyhorror.com/pix/Suicide-Alan-Vega-Martin-Rev-Protopunk-No-Wave-Frankie-Teardrop.jpg" width="199" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Suicide, protopunk y protoindustrial a partes iguales.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Industrial Records era tan independiente del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mainstream</i> como le era posible, lo cual se debía tanto a que era entendida por sus fundadores como un "proyecto artístico" como a cuestiones ético-políticas. Y aunque no trascendió al grupo "de la casa", Throbbing Gristle, Industrial Records demostró ser enormemente influyente. Mientras Brian Eno, Krafwerk y Faust -y otros antecesores de la música industrial- sintieron la necesidad de trabajar con sellos<i> </i>comerciales relativamente poderosos para alcanzar una audiencia y poder vivir de la música, Industrial Records mostró a la comunidad musical que es posible operar satisfactoriamente en el nivel que decidas. Industrial Records logró alcanzar ciertos niveles de audiencia y distribución sin comprometer en absoluto su música y sus ideas. Algunos de los sellos que comenzaron de la mano de Industrial Records han sobrevivido y alcanzado cierto éxito comercial (Third Mind, Play it Again Sam) o fueron enormemente exitosos (<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Mute</b>, gracias a sus abanderados Depeche Mode). Otros, como United Diaries y Side Effects mantuvieron un perfil más bajo, aunque todavía persisten. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Más trascendentes que los sellos independientes fueron las redes de cassettes piratas, resultado del descubrimiento de lo sencillo que resultaba grabar y distribuir tu música gracias a la difusión local y el asequible precio de las grabadoras de cassette. Más allá de su condición de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ghetto</i>, la red de cassettes permitió a ciertos músicos -particularmente a los que componían música no apropiada para ser ejecutada en vivo- definir metas alternativas a la fama y el dinero. Alentaba la cooperación y la comunicación entre participantes de diferentes géneros musicales, y como el mundo de los fanzines, generaba un entorno favorable a la transición de consumidor pasivo a creador activo. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Para Jon Savage, el elemento extra musical más importante que adoptó el industrial el empleo del film y el video. Evidentemente no era nada nuevo; en el contexto popular, el film era usado por los grupos desde los días de la psicodelia. Sin embargo, la música industrial coincidió con los primeros días de la producción de videoclips, y los músicos industriales aprovecharon la situación para experimentar en el campo audiovisual. La mala calidad, los desbordamientos de los colores y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">feedback</i> eran defectos inevitables por el uso de una tecnología primitiva, pero de algún modo los artistas industriales hicieron de estas limitaciones un elemento más dentro de su propia estética. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Savage escribió en 1983 que el interés en el video iba más allá de la pura estética. En aquel momento, tras la disolución de Throbbing Gristle, y la sensación de cierre de la primera etapa de la música Industrial, <b>Psychic TV</b> y <b>Cabaret Voltaire</b> (con su sello de video independiente, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Doublevision</b>) anunciaban a todo aquel que les quisiese escuchar que su próximo campo de acción sería la televisión. Tras la experiencia de lucha contra el Control en el plano musical, la televisión parecía un medio mucho más trascendente para proseguir su labor. Parecía claro que era en este medio donde la batalla contra el adoctrinamiento y la manipulación tenía que ser disputada. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><br />
</div><br />
<div align="center"><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 4.5pt 4.5pt 4.5pt 4.5pt; mso-yfti-tbllook: 1184;"><tbody>
<tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj42GywaWFoR74GLMhtssKNCTJiVE1ZYT8VPq4ED5kJFXW8O535UsSjmDO0Bo6AhTcUnK0opWt4wH9Nv7ZQbIVeHDudVWRgwcN6NF23agzhGZd6F40kR9-IjWkj_1P_NO9tw_Fo/s1600/psychic+tv.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="151" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj42GywaWFoR74GLMhtssKNCTJiVE1ZYT8VPq4ED5kJFXW8O535UsSjmDO0Bo6AhTcUnK0opWt4wH9Nv7ZQbIVeHDudVWRgwcN6NF23agzhGZd6F40kR9-IjWkj_1P_NO9tw_Fo/s200/psychic+tv.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 9.5pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Los experimentos audiovisuales de PTV perdieron su vigencia con la fugaz evolución de la tecnología.<o:p></o:p></span></td></tr>
</tbody></table></div></td> </tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;"> <td style="background-color: transparent; border: rgb(0, 0, 0); padding: 3pt 4.5pt 4.5pt;"><div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: center;"></div></td> </tr>
</tbody></table></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Pero para su desgracia esto no sucedería nunca. La tecnología y las técnicas de la televisión estaban ya mucho más avanzadas que cualquier cosa que los músicos industriales pudiesen producir, y la comprensión y oposición a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">agenda</i> de la televisión ya estaba bien establecida por la izquierda política, que se había asegurado para sí misma, pese al blindaje de las estructuras comerciales de la televisión –como de la música pop-, las cuotas de crítica desde el interior del propio medio. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt;"><br />
</div><span style="font-family: Calibri;"><b><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Anti-Música.</span></b><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Aunque no es descabellado marcar la génesis de la idea del ruido como un elemento más de la música en el manifiesto del futurista <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Luigi Russolo</b> "El arte del ruido", publicado en 1913, existen antecesores previos. El mismo manifiesto de Russolo estaba inspirado en los escritos del compositor futurista <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Francesco</b> <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Balilla Pratella</b>, cuyo "Manifiesto de la Música Futurista" (1911) incluye el siguiente párrafo: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">"[La música] debe representar el espíritu de las masas, de los grandes complejos industriales, de los trenes, de los transatlánticos, de las flotas de guerra, de los automóviles y de los aeroplanos. ¿Debo agregar hacia dónde nos llevará el próximo paso? Al sonido abstracto, a las técnicas liberadoras, al ilimitado material tonal"</i>. Pratella seguramente no llegó a comprender la completa dimensión de lo que estaba profetizando; el 'próximo paso' que imaginó parece ser el tomado por Schöenberg, Ives y Cowell, quienes entre 1907 y 1919 trabajaron definiendo los enfoques atonales en la música que rápidamente aumentaron la disonancia y -en el caso de Cowell- la exploración de nuevos usos para los instrumentos clásicos. Sin embargo, las palabras de Pratella podrían ser tomadas para describir los trabajos de artistas como Asmus Tietchens o <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Merzbow</b>. Cuando los compositores académicos resolvieron permitir la entrada del ruido a la música, no comprendieron del todo lo que estaban desencadenando. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">Uno de los objetivos de los futuristas era oponerse al clasicismo y al romanticismo que dominaban la expresión artística de esa época. El arte, pensaban los futuristas, estaba mezclado con la nostalgia, con la representación de idilios míticos del pasado. En oposición a esto, demandaban que el arte reflejara el dinamismo más que la quietud, y el sonido triturador de la máquina más que los puros y hermosos sonidos que el romanticismo había producido. <o:p></o:p></span></span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhICtxWZTAcC_hVdiakcXrWeVVIaXMBvgxBujkokkn1g5pNZ-mNInE8ipLQnCS4CIxzRgclpibH0Q8mDe_7XkJD8sr16uBWKsEK09CkRuRZrFtd7CZ6dZBFi1XHqofzk9kb4C2FKQ/s1600/Luigi_Russolo_ca__1916.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhICtxWZTAcC_hVdiakcXrWeVVIaXMBvgxBujkokkn1g5pNZ-mNInE8ipLQnCS4CIxzRgclpibH0Q8mDe_7XkJD8sr16uBWKsEK09CkRuRZrFtd7CZ6dZBFi1XHqofzk9kb4C2FKQ/s200/Luigi_Russolo_ca__1916.gif" width="137" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luigi Russolo</td></tr>
</tbody></table><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">Los instrumentos de Russolo fueron destruidos hace décadas y su música tan solo puede ser escuchada en inusuales reconstrucciones, pero su importancia reside más en sus ideas que en la pequeña influencia que tuvo en otros músicos y compositores de su generación. "El arte del ruido" es notable, porque las ideas estéticas de este manifiesto anteceden casi a todos los movimientos musicales que eventualmente produjeron la música industrial. Pierre Schaeffer y Pierre Henry homenajearon a Russolo cuando crearon la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">musique concrète</i>, a pesar de que no pudieron llegar a escuchar sus interpretaciones: existe sólo una grabación de sus instrumentos, y no fue encontrada hasta 1957.</span></span><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Si Balilla Pratella hablaba del 'próximo paso', el manifiesto de Russolo fue un salto gigantesco. Según Russolo: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">En el siglo XIX, con la invención de las máquinas, el Ruido nació. En el presente, el Ruido triunfa y reina sobre la sensibilidad de los hombres... El sonido musical es demasiado limitado en su variedad de timbres... Debemos romper este círculo de sonidos limitados y conquistar la infinita variedad de ruidos... El ruido, emanando confusa e irregularmente de la irregular confusión de la vida, nunca se nos revela enteramente y siempre contiene innumerables sorpresas.</i>" </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"> </div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Russolo no sólo concibió ideas que resurgirían en áreas previamente inimaginables de la música del siglo XX, sino que con sus palabras sobre la<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> confusión</i> inherente al ruido, anticipó una idea de capital importancia en cualquier teoría estética de la música <i style="mso-bidi-font-style: normal;">noise</i> o ruidista. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Russolo creó diversos instrumentos de ruido, cada uno tenía la función de producir un tipo de ruido, y según sus propios escritos, las primeras performances que los empleaban solían desembocar en revueltas, del mismo modo que sucedía en las noches del Cabaret Voltaire o en los estrenos de la obra de Stravisnky “Los ritos primaverales”. Décadas más tarde, como no podía ser de otra manera, la respuesta de la audiencia a las performances de grupos como Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire y <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Whitehouse </b>eran similares. Es fácil sobreestimar los paralelismos entre Russolo y los músicos industriales; después de todo, por cada incidente ocasional en las actuaciones de Throbbing Gristle, había diez en los conciertos punks de finales de los setenta. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Puede que el estudio más revelador sobre el uso del ruido en la música actual sea el libro de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Jacques Attali</b> "<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Noise:_The_Political_Economy_of_Music" target="_blank"><span style="color: blue;">Ruidos: Ensayo sobre la economía política de la música</span></a></i>". Attali estableció en sus páginas que "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">escuchar música es escuchar todo ruido, comprendiendo que su apropiación y control es un reflejo del poder, que es esencialmente político... Los teóricos del totalitarismo han explicado que es necesario prohibir el ruido subversivo porque enfatiza las demandas de autonomía cultural, el respaldo de las diferencias y la marginalidad: un interés por mantener el tonalismo, la primacía de la melodía, la desconfianza en los nuevos lenguajes, códigos e instrumentos es común a todos los regímenes de esta naturaleza</i>". La perspectiva de Attali demuestra la falsedad del enunciado que afirma que "la política y la música son impermeables entre sí". Para Attali, lo político en la música ocurre a un nivel más básico que el de las letras o el contenido manifiesto. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Attali presenta la historia de la música como un espejo de la historia del capitalismo, dividiéndola en tres etapas (música ritual, música escrita y música grabada). Señala correspondencias entre el auge de la música escrita y el triunfo de la sociedad burguesa tecnocrática, y también entre el crecimiento de la música grabada y la transformación de ésta en una sociedad de consumo. Attali esboza una posible cuarta etapa, en la cual los músicos empezaran a crear música no como una simple mercancía para el mercado sino para su propio placer personal -lo que ha sido importante en las últimas décadas-. Otro momento relevante es aquel en que esta nueva música empezará a operar al margen del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mainstream,</i> de la industria musical. Pero el punto clave de esta historia se sitúa en el momento en que la nueva música redescubrirá el ruido y la violencia como factores cruciales (cita a <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">John Cage</b> y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">free jazz</i> como prototipos de esta nueva era musical). </span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Algunos autores sugirieron que el<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> punk</i> y la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">new wave</i> fueron el primer signo importante de este cambio de paradigma. "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Muchos de los grupos pioneros empezaron como bandas de garaje compuestas por jóvenes sin formación musical que intentaban desafiar ruidosamente al enfermizo rock comercial. La música es frecuentemente agresiva y simple compositivamente, pero en sus mejores momentos transmite con eficacia la cruda energía de su protesta social y musical a través de un genuino ruido sonoro (que mantiene niveles de volumen físicamente dolorosos para los no-iniciados)..."</i>. Como es usual en los comentaristas académicos, existe una marcada tendencia a desconocer cualquier cosa que no se encuentre dentro de su marco de referencia predefinido, y es tentador sugerir que mucha de la música industrial entra en esta descripción mucho mejor que el punk rock. Sin embargo, existen áreas donde las ideas de Attali parecen más certeras -particularmente en la música de improvisación- y la música industrial debe ser vista sólo como un único golpe dentro de los muchos intentos de deshacerse de las tendencias musicales más reaccionarias de este siglo. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">El intento de la música industrial por destrozar los valores y reglas musicales preexistentes y desgarrar las nociones convencionales del gusto forma parte pues de una importante tendencia en la música contemporánea, una reacción política contra el Control, que la mayoría de la música actual refleja, tanto en su estética general y en los fines para los que es producida. La comprensión de las mismas ideas fueron lo que condujeron a <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">John Cage</b> a minimizar su propio control sobre la música que realizaba; y si bien Brian Eno es más preciso en el control del sonido, demuestra un radicalismo político equivalente cuando intenta crear obras musicales que permitan diversos niveles de atención al oyente, que presenta una superficie para investigar en lugar que una línea a seguir. En la música improvisada de Evan Parker y AMM, el mensaje político reside en como el grupo se autoorganiza para producir el sonido, rechazando la visión programática de un sólo individuo en favor de un sonido espontáneo y cooperativo. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnhgia10RtJ8c5txbicQe7TOz7rXVqkTf01ghUMcW-PjN_J97cHCGYeV1evtvaDmn9Zfm_FWXW0dbGKRLs4g-aV-1Ji8WeQVz4G5bdW-rzNsum4zbAJJ1hLejiIhPT6rzsUxL0wQ/s1600/cage4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnhgia10RtJ8c5txbicQe7TOz7rXVqkTf01ghUMcW-PjN_J97cHCGYeV1evtvaDmn9Zfm_FWXW0dbGKRLs4g-aV-1Ji8WeQVz4G5bdW-rzNsum4zbAJJ1hLejiIhPT6rzsUxL0wQ/s200/cage4.jpg" width="160" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">John Cage, revolucionario incluso en pleno siglo XXI.</td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Y si bien puede que Throbbing Gristle no sea el primer nombre que surja en la mente de los historiadores de la música improvisada, la improvisación constituyó un elemento importante en sus estrategias de producción. Según palabras de Peter Christopherson, uno de sus integrantes, "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las obras eran creadas en mayor o menor medida espontáneamente, sin ningún ensayo ni preparación exceptuando las pistas de percusión construidas por Chris y una discusión general sobre los posibles tópicos para las letras que luego Glen usaría como punto de partida... No teníamos mucha idea de lo que iba a pasar en un concierto o en una grabación, y cada uno de nosotros contribuía basados únicamente en lo que estaba sucediendo en ese momento</i>". Considerando las personalidades presentes en Throbbing Gristle, podríamos llegar a insinuar que Christopherson está idealizando lo que en realidad ocurría, pero está claro que el nivel de improvisación en Throbbing Gristle y otros grupos iba mucho más allá que lo que sucede en los grupos de rock determinados por la estructura de la canción. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">Para una visión menos politizada sobre la importancia del ruido en la música industrial, son interesantes los escritos del crítico musical Simon Reynolds. Su enfoque del ruido se basa principalmente en su poder de ruptura e intoxicación: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El ruido sucede cuando el lenguaje colapsa. El ruido e</i></span></span><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">s un estado de extinción del significado</i>."</span></span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><a href="http://www.ccapitalia.net/reso/articulos/musicaindustrial/musicaindustrial.htm#referencias"></a> [6]</span><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"> </span></span><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Antes de la música industrial existía de hecho una fuerte presencia del ruido en la música, pero raramente en el modo en que existió luego. Los instrumentos de ruido de Russolo, más allá de su potencial en la época, suenan hoy como meras máquinas de efectos sonoros. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Edgar Varèse</b>, proclamado por John Cage como el "padre del ruido" en la música del siglo XX compuso música extremadamente innovadora para los estándares musicales de su tiempo, pero pocas obras que se asemejen a la música <i style="mso-bidi-font-style: normal;">noise</i> de los años recientes. <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Iannis Xenakis</b>, Krysztof Penderecki y Gyorgy Ligeti, exploraron la microtonalidad para crear efectos musicales impactantes que todavía son interesantes en el presente, pero las texturas que crearon no pueden de ninguna manera ser consideradas "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">noise</i>". </span></span><br />
</div><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"></span></span><br />
<span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">De todos los vanguardistas de los primeros sesenta años del siglo XX, sólo la obra de John Cage puede ser considerada como algo difícil de escuchar en estos tiempos. Tanto como sus piezas percusivas para pianos preparados, donde la irregularidad de los objetos colocados entre las cuerdas del piano garantizaba un sonido que a veces se acercaba a la cacofonía, sus piezas electrónicas en vivo destilaban altas dosis de ruido. La insistencia de Cage en procesos que incluyesen al azar -por ejemplo, algunos intérpretes producían los sonidos, otros controlaban los volúmenes, todo de acuerdo a tiempos determinados de forma aleatoria- aseguraban que su música fuese impredecible y caótica. El propio sonido adquiría una cualidad violenta e impactante que la mayoría de los industriales nunca llegaría a igualar. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span><br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">En 1937, Cage escribió: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dondequiera que estemos, lo que escuchamos es básicamente ruido... ya sea el sonido de un camión a 60 km/h., la lluvia, o la estática entre las estaciones de radio, el sonido nos parece fascinante... [Intento] capturar y controlar estos sonidos para usarlos, no como efectos sonoros, sino como instrumentos musicales</i>"</span></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><a href="http://www.ccapitalia.net/reso/articulos/musicaindustrial/musicaindustrial.htm#referencias"></a> [7]</span><span style="font-family: Calibri;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">. Cage mencionaba el manifiesto de Russolo y el texto "New Musical Resources" de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Henry_Cowell" target="_blank"><span style="color: blue;">Henry Cowell</span></a></b> como importantes precursores, y sus comentarios sobre el empleo de sonidos cotidianos como elementos constitutivos de la música anteceden a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">musique concrète</i>. Obras como "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Third Construction</i>", con su variedad de instrumentos percusivos tradicionales y "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">encontrados</i>", anticipan varias décadas el interés de la música industrial por la percusión metálica. Sin embargo, a diferencia de los futuristas, Cage no estaba interesado simplemente en reflejar la tecnología moderna en su música, sino en obtener acceso al campo completo del sonido. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p> </o:p></span><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">Más allá del mundo de la música académica existe, sin embargo, una fuente de inspiración mucho más importante. Con la edición del primer disco de la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Velvet Underground</b> en 1967, el rock alcanzó un punto de ruptura. La Velvet incorporó elementos de la vanguardia experimental -principalmente gracias a la formación de John Cale junto a La Monte Young</span></span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> </span><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><span style="font-family: Calibri;">-combinado con una de las actitudes más alienadas y hostiles que el rock hubiese desarrollado hasta ese momento. Si su huella en el arte audiovisual –por cortesía de Andy Warhol- y el interés en las perversiones sexuales (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Venus in Furs</i>”, “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sister Ray</i>”) encuentran eco entre la primera ola de grupos industriales, no es casualidad. <o:p></o:p></span></span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMMNK9JlKRyNaVx1o5n7cbb_xgI5i2F-tA4Nk6Iv3qpPtOXJbljWTjzVGvjk3L21E3JxO5hvOPBcWRLnDIUQmFpnETrTMPGf4kjbdWO_5tHrNlyCdvsXwOk4Ndbh4btr1llba6rA/s1600/the-velvet-underground-002.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="120" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMMNK9JlKRyNaVx1o5n7cbb_xgI5i2F-tA4Nk6Iv3qpPtOXJbljWTjzVGvjk3L21E3JxO5hvOPBcWRLnDIUQmFpnETrTMPGf4kjbdWO_5tHrNlyCdvsXwOk4Ndbh4btr1llba6rA/s200/the-velvet-underground-002.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Incomprendidos en su tiempo, pero con una sombra bien alargada.</td></tr>
</tbody></table><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">La obra posterior de Lou Reed en solitario no tiene relevancia alguna para la música industrial, con la excepción de su álbum doble de 1975, “<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Metal Machine Music</b>”. La mayoría de los fans cuentan la historia de que fue un disco realizado como "obligación contractual". Un exitoso intento de enfurecer a su sello, RCA. Muy pocas personas lo tomaron en serio: fue descrito como "ruido insoportable" por la mayoría de los críticos que solían disfrutar con la música de Reed. En esos años, los comentarios de Reed al respecto eran ambiguos, unas veces confirmando las historias de conflictos con su sello y otras afirmando que se trataba de una composición seria y consciente. Retrospectivamente, es fácil considerar a “Metal Machine Music” como el honorable antecesor de la música post-industrial. Cuatro caras de densos y chirriantes muros de sonido que nunca descansan por un momento. Comparado con algunos de los ruidistas del presente, suena decididamente correcto, y el interés en la repetición y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">drone </i>demuestran que Reed había estado prestando atención a las influencias de su ex-compañero de grupo Cale. Dejando a un lado la posibilidad de que alguno de los músicos industriales haya escuchado o no este disco, aún suena interesante, incluso tras dos décadas de excesos sonoros del industrial y la no-wave. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Simon Reynolds reconoce que los síntomas que emergen en la música <i style="mso-bidi-font-style: normal;">noise </i>frecuentemente se acompañan con otra problemática subjetiva extrema: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">El mensaje subliminal de la mayoría de la música es que el universo es esencialmente benigno, de que si existe la tristeza o la tragedia, esta se resuelve en un nivel de armonía más elevado. El ruido obstaculiza esta concepción del mundo. Es por eso que los grupos noise tratan invariablemente con problemáticas subjetivas anti-humanistas: extremos de abyección, obsesión, trauma, atrocidad..."</i> </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">En del acertado intento de Reynolds de analizar el potencial revolucionario del ruido, capaz de posibilitar el desplazamiento del sentido, es interesante indicar que el ruido es inherentemente inaprensible por la teoría. Por ende, lejos de racionalizaciones totalitarias y totalizantes, para lidiar con este tipo de elementos debemos construir una teoría capaz de pensar sus propios bordes y límites. Su relación con lo real. </span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></div><br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin: 0cm 0cm 10pt; text-align: justify;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">Como respuesta a la sociedad, el ruido es la apoteosis de varios de los objetivos de la música industrial. Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire han reflejado el anonimato de la sociedad postindustrial en sus ritmos monótonos y repetitivos pero los elementos de ruido en su música también reflejaban la furia del reconocimiento su propia alienación. En una sociedad donde los poderes que determinan nuestra libertad de acción parecen cada vez menos concretos, donde la oposición y la resistencia efectivas se vuelven más y más complejas, el sentido mismo está siendo destruido. Y la respuesta musical apropiada tal vez no sea otra que la violencia del grito mudo, la potencia brutal de la ruptura. </span></span><br />
</div><span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;">La preocupación de las primeros vanguardistas era simplemente "liberarse" de la voluntad de poder que Jacques Attali ve en toda la música compuesta. La preocupación de la música industrial era encontrar una respuesta a una sociedad que todavía tenía que comprender el vacío que revestía. Con la música industrial, las fuerzas puestas en movimiento por Russolo finalmente comenzaron a realizar parte de su verdadero potencial.</span></span><br />
<br />
<span style="font-family: Calibri;"><span style="font-size: 12pt; mso-ascii-font-family: Calibri; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-hansi-font-family: Calibri;"><em><span style="font-size: x-small;">[1] "Industrial Culture Handbook" (Re/Search nos. 6/7, 1983).</span></em></span></span><br />
<span style="font-family: Calibri;"><em><span style="font-size: x-small;">[2] "Ruidos: Economía política en la música", Jacques Attali (Siglo XXI, 1995).</span></em><br />
<em><span style="font-size: x-small;">[3] "Welcome to the machine", por Michael Mahan (</span></em><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Alternative_Press" target="_blank"><em><span style="font-size: x-small;">Alternative Press</span></em></a><em><span style="font-size: x-small;"> nº 66, enero 1994).</span></em><br />
<em><span style="font-size: x-small;">[4] "Industrial Culture Handbook" (Re/Search nos. 6/7, 1983).</span></em><br />
<em><span style="font-size: x-small;">[5] "Throbbing Gristle on KPFA" (entrevista publicada en Re/Search nos. 4/5).</span></em><br />
<em><span style="font-size: x-small;">[6] "Blissed Out", por Simon Reynolds (</span></em><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Serpent%27s_Tail" target="_blank"><em><span style="font-size: x-small;">Serpent's Tail</span></em></a><em><span style="font-size: x-small;">, 1990).</span></em><br />
<em><span style="font-size: x-small;">[7] "The future of music", por John Cage (1937)</span></em><br />
<br />
</span><br />
<span style="font-family: Calibri;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/8WHeucQSCcM?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/gaDhaQNFErM?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/dpyEik4In3Q?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/vmLvQKmsUCQ?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div></span>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-71405101093080007682011-11-13T20:01:00.013+01:002011-11-13T20:14:08.057+01:00Vittoria Mutilata!<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">D'Annunzio sale de su jaula dorada</span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><strong>Las 'Crónicas literarias' del autor que inspiró el fascismo mussoliniano se publican por primera vez en español y se reedita su célebre novela 'El triunfo de la muerte'.</strong></span></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"> </div><div class="firma" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><em><span style="font-size: x-small;">JAVIER RODRÍGUEZ MARCOS - Gardone - 12/11/2011</span></em> </span><br />
</div><div class="votos estirar" id="votosC" style="text-align: justify;"><div class="votos_estrellas"><div class="votos_votar"><div class="votos_txt_vota"></div></div></div></div><div class="estructura_2col_1zq" style="text-align: justify;"><div class="borde_sup"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Catorce años antes de morir, Gabriele d'Annunzio (1863-1938) encargó su propia capilla ardiente. La amuebló al estilo <i>decó,</i> con pieles de leopardo, un retrato suyo junto a san Francisco y una talla de san Sebastián del siglo XVI que representa, a tamaño natural, al mártir cuya historia había escrito él mismo para el compositor Claude Debussy. Presidiendo la estancia, una mezcla de cuna y ataúd.</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc4AxzZlS2OYsSYQri6DmelVpGHa8OOGQ2b_Sr4O6tDrsEdmdHM3hOGGUXBdRFGQmCbtkUwyXxls3fyKl_iMzQxmN2BOEhg1O-EUuBjkFsCQx6Zy8wxyQjSrWN8ytBfX90q0q_fQ/s1600/d%2527annunzio_3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="182" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc4AxzZlS2OYsSYQri6DmelVpGHa8OOGQ2b_Sr4O6tDrsEdmdHM3hOGGUXBdRFGQmCbtkUwyXxls3fyKl_iMzQxmN2BOEhg1O-EUuBjkFsCQx6Zy8wxyQjSrWN8ytBfX90q0q_fQ/s200/d%2527annunzio_3.jpg" width="200" /></a></div></div><div class="info_complementa"><div class="listado_despiece"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">La habitación huele, por supuesto, a cerrado. Como casi todo el Vittoriale degli Italiani, la villa con vistas al lago de Garda a la que el escritor se retiró definitivamente en 1921. La casa de Gardone -700 metros cuadros y nueve hectáreas de parque a los que se accede por tres arcos triunfales- fue su testamento de piedra, la autobiografía en tres dimensiones del escritor más popular de la Italia moderna. La historia, sin embargo, no ha dejado de cobrarle la factura de haber sido el poeta que inspiró a Mussolini. "El fascismo fue <i>dannunziano</i>, sí", reconoce el guía Leonardo Gilardoni mientras enseña el Vittoriale. Pero ¿fue D'Annunzio fascista? Basta pasear por la casa de un escritor que padecía <i>horror vacui</i> para concluir que lo que fue D'Annunzio es, también, <i>dannunziano</i>.</span></div></div><div class="margen_n"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">En España, su imagen ha sido más la del autor decadente, un perfil dibujado por el culturalismo de los años setenta y la versión cinematográfica que Visconti hizo en 1976 de su novela <i>El inocente</i> (1892). Pero hubo al menos tres <i>dannunzios</i> distintos en la vida de un hombre de letras cuyo ego no cabía en su metro sesenta de estatura. Esteta y soldado, era a la vez el Vate y el Comandante. El historiador Giordano Bruno Guerri, ex director editorial en Mondadori, biógrafo de D'Annunzio y actual presidente de la fundación que gestiona el Vittoriale para el Estado italiano, sostiene que la obra literaria del autor de <i>Alcyone </i>ha pagado por el hecho de ser lo que él llama el "Juan Bautista" del movimiento fascista. Eso a pesar de que, cuando triunfa Mussolini, su literatura mayor ya estaba escrita.</span></div><div class="margen_n"></div><div class="margen_n"></div><div class="margen_n"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Los tres <i>dannunzios</i> fueron, sucesivamente, el literato, el soldado y el que, en su jaula de oro, preparaba el legado de los otros dos. El primero es el que en 1889, con 26 años, publica su primera novela, <i>El placer,</i> que sigue siendo un<i> best seller </i>en Italia. Es el mismo que escribe en los periódicos artículos como los que se recogen por primera vez en español en <i>Crónicas literarias y autorretrato</i> (Fórcola). Allí se comprueba su admiración por Nietzsche, todavía vivo, cuya teoría del superhombre impregna la novela <i>El triunfo de la muerte,</i> publicada en 1894 y recuperada ahora por Alfabia en un volumen que incluye algunos aforismos autobiográficos y el largo ensayo que le dedicó un devoto Henry James.</span></div><div class="margen_n"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">D'Annunzio creó 2.000 neologismos -se le atribuye "aeronáutica"- y no dejó de escribir eslóganes publicitarios y miles de cartas a sus admiradores, pero su fama literaria estaba hecha cuando se convirtió en héroe nacional. En 1918 sobrevoló Viena lanzando octavillas destinadas a minar la moral de los austriacos. Aquel biplano cuelga ahora en el auditorio del Vittoriale, un complejo cuyo interior está colonizado por 33.000 libros, obras de arte -aquí un <i>ribera,</i> allí un <i>marinetti-</i> y miles de objetos que llenan cada centímetro. Se han contado 800 en el baño, azul, de un hombre que no conocía la palabra superfluo y se pasaba las horas retocándose. Un pionero. "Tal vez lo más vivo que quede de D'Annunzio sea la preocupación por la belleza que ha transmitido a los italianos", subraya Bruno Guerri.</span></div><div class="margen_n"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi66RJY1GmxVyMBCcs_8CtPNqZcXXbbIdoEyF3nQLlmT2BmmbXjriZ0ll90OgZyKPzH34YACyl_fUaqib1YvfjeXVdSwyctaxaEVVlPaYqNQHUtWk_Bsb-jm4FnT6scz7lFDqbZ/s1600/Fiume_cheering_D%2527Annunzio500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="203" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi66RJY1GmxVyMBCcs_8CtPNqZcXXbbIdoEyF3nQLlmT2BmmbXjriZ0ll90OgZyKPzH34YACyl_fUaqib1YvfjeXVdSwyctaxaEVVlPaYqNQHUtWk_Bsb-jm4FnT6scz7lFDqbZ/s320/Fiume_cheering_D%2527Annunzio500.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fiume o "la patria de los poetas".</td></tr>
</tbody></table></div><div class="margen_n"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Los límites de la villa, mezcla de santuario, palacio real y egoteca, albergan un motoscafo, un barco incrustado en la ladera cuyos cañones recibían a los visitantes ilustres y, por supuesto, el mausoleo del poeta. Allí reposa rodeado por algunos de los que le siguieron en la hazaña que lo convirtió en un mito incómodo: la toma de Fiume. La actual Rijeka croata era de mayoría italiana pero los aliados la cedieron a Yugoslavia al terminar la I Guerra Mundial. Italia había ganado esa guerra y D'Annunzio habló de "victoria mutilada". Al frente de una columna de legionarios conquistó la ciudad y la gobernó, desobedeciendo al poder de Roma, durante 16 meses entre 1919 y 1920.</span></div><div class="margen_n"></div><div class="margen_n"></div><div class="margen_n"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">En Fiume confluyen todos los grises de un autor leído en blanco y negro. Por un lado, desarrolló una parafernalia nacionalista de gritos de guerra, discursos y uniformes -la camisa negra- que los fascistas no tardarían en hacer suyos. Por otro, promulgó una Constitución de tintes anarquistas en la que se hablaba de la música, la pasión de D'Annunzio, como pilar de un Estado aconfesional que eliminaba los símbolos religiosos de las escuelas y reconocía el derecho al divorcio y el voto a las mujeres, algo que en Italia no sucedería hasta 1946.</span></div><div class="margen_n"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Sofocada la aventura de Fiume por el ejército italiano, en 1921 D'Annunzio ya estaba en Gardone. Un año más tarde Mussolini se hacía con el poder y se ocupó de que el escritor -pagano, grafómano, erotómano y cocainómano- viera colmado allí el menor de sus caprichos. Lejos de Roma. "Cuando uno tiene una muela podrida", dijo el dictador, "la sacas o la cubres de oro". El escritor apenas se movió de allí en 17 años, pero acudió a la vecina Verona para, francófilo y antigermano, aconsejarle al Duce que no se aliara con Hitler, al que dedicó una sátira que fue censurada.</span></div><div class="margen_n"><br />
</div><div class="margen_n"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://www.geocities.ws/tamara_producciones/benito_mussolini_gabriele_d_annunzio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="153" src="http://www.geocities.ws/tamara_producciones/benito_mussolini_gabriele_d_annunzio.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">D'Annunzio junto a Mussolini.</td></tr>
</tbody></table></div><div class="margen_n"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">"Soy la puta de Italia, a quien odian por amor", dijo. En el Vittoriale, que este año ha recibido 150.000 visitas a razón de 16 euros, hay una puerta para los huéspedes queridos y otra para los que no lo son. Mussolini entró por la segunda. El escritor lo hizo esperar dos horas. Menospreciaba al político, adoraba su dinero. Durante décadas su obra ha pagado esa factura. Fingiendo golpear al escritor, dice Bruno Guerri, "los prejuicios de la crítica literaria" se cebaban con el personaje, el "primer divo" de las letras modernas. Él publicó hace tres años una biografía sin maquillaje en la que Dios -o el Diablo- no paga por el César. Redescubrir a D'Annunzio, apunta, significa ponerlo en el lugar que le corresponde entre los italianos, de los que fue un "campeón desmesurado". "Se nos parece demasiado como para que lo amemos".</span></div><div class="margen_n"></div><div class="margen_n"><span style="font-family: Trebuchet MS; font-size: small;">Publicado por El País el 12 de noviembre de 2011.</span></div><div class="margen_n"><br />
</div><div class="margen_n"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/11b9MjmCr4Y?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div class="margen_n"><br />
</div></div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-21023971315032110932011-11-04T22:12:00.001+01:002011-11-05T03:45:44.769+01:00El crepúsculo de los ídolosNunca es mal momento para reubicar los pensamientos. Ha pasado largo tiempo desde que este rincón quedó prácticamente abandonado, a merced de los guardianes del olvido. En breve volverá a la actividad con los contenidos prometidos en la petulante descripción de la izquierda. Aquí, un adelanto:<br />
<br />
<div style="text-align: center;"><strong><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: large;">The Post Industrial Strategy (Twilight of the Idols)</span></strong><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCd77guwXn14KRu4XhzVqYFI2AaguzaBapp7gQh4Zs_bJQKCYZVOrHkCYuf97bxvvUUbPrDK_I2CnijerU6j0_-Wm7fmONlW5u-7nZAx5VOnYHtBBSgKaPYTCIxRHKT-lz5h3ubQ/s1600/spk5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCd77guwXn14KRu4XhzVqYFI2AaguzaBapp7gQh4Zs_bJQKCYZVOrHkCYuf97bxvvUUbPrDK_I2CnijerU6j0_-Wm7fmONlW5u-7nZAx5VOnYHtBBSgKaPYTCIxRHKT-lz5h3ubQ/s200/spk5.jpg" width="200" /></a></div><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">"Michel Foucault in <strong>'Discipline and Punish'</strong>: the mechanism of social control has changed from liquidation or internment to therapeutic. Criminals or the insane are now simply recycled and turned into normalized homogeneous citizens. Both the right and the left wish to feel responsible for these problems and to reintegrate the deviant. We <i>must not do this</i> Our interest in social deviance must be to maintain and extend the disability of the system to keep its margins under its control. </span><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Another fiction is the idea that by liberating the unconscious or the "psychic" we can attack the post-industrial simulacre. To begin with, the modern notion of unconscious is just another metaphysical concept. The primitives had no need of it because they had no distinction between the civilized and the savage mind. Only with emancipation or the idea of freedom did the need arise for the Master to be interiorized in us all and alienation begins. All savage, wandering and symbolic processes came to be called "unconscious" and were thereby domesticated like death. Any idea which maintains this artificial separation is tragically missing the point. Furthermore it is foolish to think that a social code which created the unconscious is not able to inscribe and control it, just the same as it manipulates our conscious lives. Indeed this is the most effective method the code uses for its perpetuation. Psychic liberation is the very form of the system, not a radical solution as the drug experimentation of the Sixties showed. Changing individuals does not necessarily change societies."</span></div><br />
<div style="text-align: right;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><em>SPK, "Auto da Fe" (Mute Records, 1983)</em></span></div><div style="text-align: right;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/NjeD0-nM5r0?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div><div style="text-align: right;"><br />
</div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-70826012017192590982010-06-10T19:22:00.001+02:002011-11-04T21:37:49.845+01:00Nuestro español bosteza<div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><em><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">—Nuestro español bosteza. </span></em></div><div style="text-align: center;"><em><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">¿Es hambre? ¿Sueño? ¿Hastío?</span></em></div><div style="text-align: center;"><em><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Doctor, ¿tendrá el estómago vacío?</span></em></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><em><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">—El vacío es más bien en la cabeza.</span></em></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>'Campos de Castilla', 1916.</em></span></div><div class="separator" style="border: currentColor; clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFiKZEA1qim94W_9M6CRTO8eRupbZbkpVVK7C4Shjz9IEPOMpd-izP-JFVddJUGDyGtZwRlBIaNwnc5NEUWalD5P_sMcnAQOY4Wdj0vMXzbyTrZlSSxlrOR883nh_YHuVDoLfx/s1600/FIRMA+MACHADO.gif" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="http://www.poetasandaluces.com/imagenespoetas/firma%20antonio%20machado.gif" imageanchor="1" style="cssfloat: left; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="77" qu="true" src="http://www.poetasandaluces.com/imagenespoetas/firma%20antonio%20machado.gif" width="200" /></a></div><br />
<a href="http://lunaazuldesandra.files.wordpress.com/2010/01/machado.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" qu="true" src="http://lunaazuldesandra.files.wordpress.com/2010/01/machado.jpg" width="137" /></a><strong><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></strong><br />
<strong><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Antonio Machado (1875-1939)</span></strong><br />
<div style="border: currentColor;"></div><div style="border: currentColor; text-align: justify;"><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Miembro tardío de la Generación del 98. Su obra aúna elementos del Modernismo, cultiva el Simbolismo y comparte con sus coetáneos esa visión evocadora de la España negra de principios del siglo XX aunque siempre desde una perspectiva regeneracionista y esperanzadora. La decadencia de una tierra instalada en la miseria y el inmovilismo contemplada a través de la mirada patriótica y lúcida de un humanista convencido.</span></div><div style="border: currentColor;"><br />
</div><div style="border: currentColor;"><br />
</div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-43242675571984631402010-04-16T18:23:00.009+02:002011-11-04T21:52:46.014+01:00Carta, de Dionisio Ridruejo<em></em><br />
<em></em><br />
<em></em><br />
<em><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Existen estadísticas. Sabemos </em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>cuántos corazones humanos se paran por minuto.</em></span></div><div style="text-align: center;"><em></em> </div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Y vivimos en paz. También al nuestro</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>le llegará su hora.</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Pero estamos metidos en el salón de espejos</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>donde el mundo se hace.</em></span></div></em><br />
<div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>En cada espejo afirma y nos afirma</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>y lo afirmamos. Cuando alguno quiebra</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>o se desluce repentinamente,</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>hay un largo vacío de tiniebla</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>como cuando una luz se apaga en un discurso</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>y lo disuelve.</em></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Ha llegado la hora y no ha llegado.</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>El espejo abolido abre otra galería</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>que da hacia lo irreal y el mundo queda</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>como en suspenso. Pronto reanuda</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>su imperio. Están los otros y hasta alguno</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>nuevo para volvernos al oficio</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>que no consuela lo que pierde.</em></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Porque quedamos empañados, vueltos,</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>en un vapor de niebla,</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>hacia la galería tan profunda como el dolor,</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>tan rica en fantasmas como la vida misma</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>ya casi por entero desovillada en nuestros pasos.</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Caminando por ella,</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>recreando sus escenarios con relieve sordo</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>se va embotando lo que fue punzante</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>como la sobrecarga del latido</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>que se abulta en la soledad del sufrimiento</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>y se hace ya desgana de volver al presente.</em></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>Se endulza a más dolor,</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>a dolor apiado,</em></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>volviendo la cabeza con los ojos llovidos,</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><em>llevándonos a hablar con nuestros muertos.</em></span></div><div style="border: currentColor; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.poesia-inter.net/firma0dr.gif" imageanchor="1" style="cssfloat: left; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://www.poesia-inter.net/firma0dr.gif" wt="true" /></a></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;"> </span></div><div style="text-align: justify;"><a href="http://www.epdlp.com/fotos/ridruejo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" qu="true" src="http://www.epdlp.com/fotos/ridruejo.jpg" /></a><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><strong>Dionisio Ridruejo (1912-1975)</strong> </span></span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: x-small;">Intelectual, combativo e idealista, Ridruejo es el perfecto ejemplo de la imposible afinidad entre rebeldía y poder. Exaltado falangista en su juventud, comprendió pronto que el idealismo de uno u otro color acaba siempre prostituido y maniatado por el poder establecido. Huyó de una España en la que ya no creía y acabó de nuevo alineado contra su régimen, esta vez junto a los demócratas. ¿De qué lado combatiría un Ridruejo en nuestros días? Solo las letras se mantienen fieles a la naturaleza del Hombre.</span></div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-51249002119553836522010-03-25T21:00:00.007+01:002011-11-04T21:52:05.057+01:00Entre Máscaras y Enigmas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><strong>Death in June</strong>, alusión explícita a uno de los episodios más oscuros del Tercer Reich, <strong>La Noche de los Cuchillos Largos</strong> (<em>Der Nacht der langen Messer</em>). El descabezamiento de los <em>Sturmabteilung</em>, la facción más rebelde y combativa del aparato nacionalsocialista que, desde el ascenso de Hitler al poder en 1933 se había convertido en una incómoda piedra en el zapato para los megalómanos esquizoides que habían tomado el timón de una Alemania deprimida. Un hecho histórico que por sus particularidades ha fascinado a tantos y cuya atmósfera <strong>Luchino Visconti</strong> ilustra de un modo muy personal en <strong>“La Caída de los Dioses”</strong>. Con toda esta compleja carga histórica queda en evidencia que detrás este incómodo telón habitaba un proyecto de mentes inquietas y arriesgadas.</span> </div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Nacidos bajo el signo del <em>afterpunk</em> anglosajón, Death in June dejaron de transitar pronto por esa senda. A modo de presagio fueron distanciándose de una escena cada vez más predecible y lineal, conscientes de que más allá de <strong>Joy Division</strong> y sus coetáneos no lograrían satisfacer sus inquietudes artísticas. Una de las incontestables virtudes de la banda de <strong>Douglas Pearce</strong> residía en su inconformismo y es que desde sus inicios trataron de pulir un lenguaje propio y diferencial. Lejos ya de sus comienzos con el <em>punk trostkista</em> de <strong>Crisis</strong>, sentaron las bases de todo un estilo con la combinación de guitarras acústicas y ritmos marciales sobre un colchón de sintetizadores, muy presentes en sus primeros trabajos. El resultado fue madurando hasta concebir lo que hoy en día viene a denominarse<strong> Dark Folk</strong> o <strong>Neofolk</strong>. Una etiqueta de inspiración poética y romántica, aunque demasiado devaluada en los últimos años por saturación, falta de creatividad y desafortunados coqueteos mal entendidos.</span></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/crisis/crisis00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/crisis/crisis00.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: x-small;">Crisis: Abrazando el extremismo político en plena eclosión del punk '77</span></div><div style="text-align: justify;"><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"> </span><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Este proceso de maduración arranca con su primer LP <strong>‘Nada!’</strong>. Una declaración de intenciones que resultaba ser la pista de despegue para una de las líneas más influyentes en la génesis de la escena oscura. Las directrices marcadas por Douglas Pearce y quienes aún entonces le acompañaban –<strong>Tony Wakeford</strong> y <strong>Patrick Leagas</strong>- nada tienen que envidiar a la de otras formaciones pioneras mucho más respetadas.</span></div><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/Trio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="220" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/Trio.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: x-small;">La génesis de DiJ, tres mentes en discordia</span></div><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Sus siguientes trabajos irían acentuando el componente acústico, no en vano Douglas navega en solitario desde 1985, dotando al proyecto de una personalidad cada vez más definida y dinámica. Sus antiguos compañeros decidieron abrir su propia senda, labrando por separado nuevos terrenos que enriquecían y fueron dinamizando ese nuevo sonido.</span></div><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Douglas mantuvo siempre su independencia creativa pero nunca caminó solo. Sus progresivos compañeros de viaje aportaban matices enriquecedores al proyecto. El sonido acústico iba desnudándose pero siempre admitiendo giros experimentales, <em>samplers</em>, bases turbadoras y unas letras llenas de insinuaciones y dobleces. Los más estrechos lazos con la experimentación y la electrónica coinciden con sus colaboraciones con <strong>David Tibet</strong> (Current 93), <strong>Boyd Rice</strong> (NON), <strong>John Murphy</strong> (SPK) o <strong>Albin Julius</strong> (Der Blutharsch) desde finales de los 80, evidentes en algunos tramos de '<strong>Wall of Sacrifice'</strong> o el posterior <strong>'Take Care and Control'</strong>. En contraposición los rincones más melancólicos y cadenciosos de su discografía se desprenden de pequeñas joyas como<strong> 'Rose Clouds of Holocaust'</strong> o<strong> 'But, What Ends When the Symbols Shatter?'</strong> donde comparte créditos con otros destacados exponentes del género como <strong>Andreas Ritter</strong> (Forseti) o <strong>Michael Cashmore</strong> (Nature and Organisation). Mención aparte merece sin duda la imprescindible presencia vocal de <strong>Rose McDowall</strong>, quien emprendió un improbable viaje desde el mainstream de la new wave de Strawberry Switchblade hacia la escena folk y experimental más poliédrica con innumerables colaboraciones y proyectos en las últimas dos décadas.</span></div><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/DIJhidden3.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="221" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/DIJhidden3.JPG" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: x-small;">Douglas, rodeado de su peculiar 'familia' artística (Tibet, McDowall, Cashmore y compañía)</span></div><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Tal y como ya se ha anticipado unas líneas atrás, uno de los rasgos más notorios de Death in June con el paso de los años es su rol de banda “centrífuga”. Una formación de la cual muchos parten para encaminarse a extremos opuestos, que actúa como germen o resorte para muchas otras que optan por una de las diversas vertientes musicales que nacen del embrión musical de Douglas Pearce.<strong> Sixth Comm</strong> /<strong> Mother Destruction</strong> –ambos secundados por Patrick Leagas- potencian la base ritual y pagana de Death in June, <strong>Sol Invictus</strong> –el ya veterano proyecto de Tony Wakeford- ahondan en el folk más acústico y etéreo, <strong>Les Joyeaux de la Princesse</strong> o <strong>Der Blutharsch</strong> abordan sin complejos oscuros pasajes bélicos y apocalípticos. Tras estos proyectos –y otros tantos que quedan en el tintero- es innegable y notoria la huella del clan Death in June que además rompen, con esos continuos trasvases, cambios de formación y cesiones de músicos a otros proyectos, con la tradicional unidad de lo que es una banda clásica. Se convierten en un verdadero organismo vivo, un atractivo y novedoso modo de entender la labor y creación artística de una formación musical moderna.</span></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/Dij_1.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="162" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/Dij_1.JPG" width="200" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: x-small;">Máscaras, el excéntrico rasgo identitario de DiJ</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Enumerando todos estos rasgos queda libre de sospecha la premeditada intención de hacer de Death in June una banda de culto. La confirmación que se intuye con esa evolución dinámica y hasta cierto punto confusa, llega al intentar explorar su extensa discografía. Una labor verdaderamente compleja y peligrosa. Y no solo por lo prolífica que ha sido durante algunos tramos de su trayectoria, sino por la infinidad de colaboraciones, ediciones limitadas, reediciones y nuevas versiones de sus trabajos y canciones. Por no hablar de las decenas de proyectos paralelos, ‘hermanados’ e incluso clónicos que en ocasiones impiden discernir en qué lugar del camino queda la intervención de Pearce y donde la individualidad de cada formación. A medio camino entre el fetichismo y la melomanía de un ferviente fan y las más o menos perversas intenciones de creadores y distribuidores de tan preciado material.</span></div><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Pero cuando uno habla de Death in June conviene esclarecer un último y escabroso asunto. El cerco equívoco del grupo no termina en su denominación. Sus discos contienen iconografía que fuera de contexto es ciertamente incisiva. Y no precisamente sospechosa resulta su querencia por la magia rúnica y la mitología nórdica, sino el empleo sistemático de la imaginería del <em>Reichswehr</em> –el ejército alemán de entreguerras- en sus libretos, la continua presencia de un <strong><em>Totenkopf</em></strong> similar al empleado por las SS, así como referencias a oscuros personajes como <strong>Klaus Barbie</strong> (‘<em>C’est un rève’</em>). Sin embargo hace años que Douglas Pearce niega sistemáticamente que esta imagen tan agresiva y sospechosa refleje su adhesión al ideario nazi, supone más bien –siempre según sus propias palabras- un elemento de reflexión sobre la fascinación que en nosotros ejercen los símbolos de la muerte y del mal, de la decadencia y penumbra de Europa en su fase más siniestra. </span></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/sessions046.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/sessions046.jpg" width="200" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif; font-size: x-small;">Pearce, flanqueado por sus camaradas Moynihan (Blood Axis) y Boyd Rice</span></div><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Asumiendo toda clase de confusas justificaciones, conviene recordar otros aspectos que dan forma al incómodo universo Death in June. Douglas Pearce es abiertamente homosexual, así como algunos que sus más ilustres colaboradores y referentes culturales (<strong>Jean Genet</strong>,<strong> Yukio Mishima</strong>). Su legión de seguidores no entiende de etnias ni ideologías. No en vano, una de sus últimas actuaciones tuvo lugar en Tel Aviv ante un extenso auditorio de cientos de personas. Un concierto memorable fruto de su ya prolongada colaboración con diversas formaciones israelíes, donde ha ido emergiendo una prometedora escena. Aunque como muestra de la inquietante y turbadora actitud de Douglas, igualmente recordada aunque por razones bien distintas fue su controvertida presencia en Zagreb durante 1992 en pleno conflicto de los Balcanes. </span></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"> </span><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">La catarata de aclaraciones y desmentidos son habituales allá donde transcurre la actividad del grupo. Y es que en este terreno, la ambiguedad es un riesgo. Pero Death in June es un grupo de riesgo, y merece la pena acercarse con sigilo a ese mensaje a veces nebuloso, acercarse a una música, a un universo único y estremecedor. El arte y su aprecio requieren no pocas veces arriesgar el alma. Llegados a este punto es innegable que Death in June juega ocasionalmente con un arma de doble filo. De la libertad de conciencia, de la libertad creativa de cada cual se desprende la posibilidad de cortarse al contemplar y sentir su obra.</span></div><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">Como cierre del artículo conviene rememorar las escasas y desafortunadas visitas de Douglas a España. En 1999 la desaparecida <strong>Asociación Cultural Los Cantos de Maldoror</strong> –organizadores del recordado Arcana Europa- consiguió cerrar por primera vez dos fechas en Madrid y Barcelona. El concierto de Madrid fue suspendido por un aviso de bomba, mientras que en Barcelona pudo finalmente celebrarse tras un cambio de sala de última hora obligado tras la presión de grupos presuntamente antifascistas. Dos años después Death in June repitió en la ciudad condal, esta vez sin demasiados problemas. Sin embargo, una nueva visita a estas tierras se antoja bastante complicada, especialmente desde que en 2005 Douglas anunciara su retirada, parece que definitiva, de los escenarios.</span></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/DIJ_Cross.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="157" nt="true" src="http://www.deathinjune.org/wiki-img/Galleries/sessions/DIJ_Cross.JPG" width="200" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><strong><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">DISCOGRAFÍA ESENCIAL</span></strong></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'Nada!' (NER, 1985) </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'Brown Book' (NER, 1987) </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'The Wall of Sacrifice' (NER, 1989) </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'Music, Martinis and Misanthropy' (Boyd Rice & Friends, NER, 1990) </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'But, What Ends when the Symbols Shatter?' (NER, 1992) </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- 'Rose Clouds of Holocaust' (NER, 1995)</span> <br />
<br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;"><strong>ENLACES</strong></span><br />
<br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- <a href="http://www.deathinjune.net/">Web Oficial</a></span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS", sans-serif;">- <a href="http://www.deathinjune.org/">Archivo</a></span><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;"><strong>VIDEOS</strong></span><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'Heaven Street' (Live 1982)</span><br />
<br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/rQhTvPpATiU&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/rQhTvPpATiU&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'Come Before Christ and Murder Love' (Live 1991)</span><br />
<br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9fI85hmqILs&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/9fI85hmqILs&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'Blood of Winter' (1986)</span><br />
<br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/pHaOvuor7TQ&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/pHaOvuor7TQ&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'To Drown a Rose' (1987)</span><br />
<br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9wYiGnEUyvE&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/9wYiGnEUyvE&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'But, What Ends when the Symbols Shatter?' (1992)</span><br />
<br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/vvFD7urcHZE&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/vvFD7urcHZE&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object><br />
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS;">'Rose Clouds of Holocaust' (1995)</span></div><br />
<object height="385" width="480"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/9fI85hmqILs&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/9fI85hmqILs&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="480" height="385"></embed></object>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1160160455012268232006-10-06T19:50:00.001+02:002010-03-10T23:21:48.270+01:00Whitehouse: 25 años de terror sonoro<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive048.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 180px; FLOAT: left; HEIGHT: 235px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive048.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"><span style="FONT-WEIGHT: bold">Whitehouse</span> (<span style="FONT-STYLE: italic">William Bennett </span>y <span style="FONT-STYLE: italic">Philip Best</span>), desde su formación en Londres en <span style="FONT-WEIGHT: bold">1980</span>, han liderado la facción más extrema, brutal y tóxica de esa electrónica ruidista de la que sin duda han sido pioneros -la misma que después ha tenido en Japón a sus mejores seguidores. Con una extensa carrera discográfica a sus espaldas expuesta en 18 álbumes -recopilaciones aparte-, desde el seminal "<span style="FONT-WEIGHT: bold">Birthdeath Experience"</span> (1980) hasta su reciente <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Asceticists"</span> aparecido en este mismo año 2006 -en el que se muestran por cierto, en plena forma-, la trayectoria sónica/vital de Whitehouse es un guiño contínuo a la catarsis por medio del ruido extremo y la manipulación. No han cesado ni un instante en su terquedad inmisericorde para con los oídos ajenos. Son así veintiseis años de actuaciones/performances/aquelarres llenos de pro</span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">vocación y</span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> caos, rebasando todos los límites con toneladas de ruido blanco y rosa como tsunami/tarjeta subsónica de presentación: acciones de terrorismo sobreamplificado, violencia vocal y cacofonías el</span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">ectrónicas terminales... ¿Quién da más?</span><br /><div style="TEXT-ALIGN: justify"><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Sólo citar su nombre altera el sistema nervioso. Y es que Whitehouse han sido responsables de algunos de los momentos sonoros más extremos que ha deparado la música -o lo que sea o cómo se llame- a lo largo de toda su historia grabada. Mientras por ejemplo uno se deja arrasar la salud auditiva por los doce minutos de coma electrónico de <span style="FONT-STYLE: italic">"Daddo"</span> (incluido en su álbum de 1998 <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Mummy And Daddy"</span>) o sin ir más lejos por las frecuencias asesinas que acompañan a William Bennett en <span style="FONT-STYLE: italic">"Guru"</span> (de su último disco "Asceticists"), se acaba comprendiendo que estamos hablando de una maquinaria capaz de hacer añicos el<span style="FONT-STYLE: italic"> "Metal Machine Music"</span> de Lou Reed. Va mucho más allá, sobrecoge los oídos con más virulencia y capacidad de esculpir en el dolor del ruido una materia física que ha servido de modelo para aventajados investigadores en la materia como <span style="FONT-WEIGHT: bold">Merzbow</span> o Bruce Gilbert (<span style="FONT-WEIGHT: bold">Wire</span>).</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Pero habría que empezar por recordar cómo esta factoría de transgresión acústica se encendió en los primeros días de 1980 de la mano de <span style="FONT-WEIGHT: bold">William Bennett</span> (a la edad de 18 años). Antes, en 1978, fue <span style="FONT-WEIGHT: bold">Daniel Miller</span> (The Normal en aquellos tiempos, capo del sello <span style="FONT-WEIGHT: bold">Mute</span> para la historia) quién animó a Bennett en su idea de crear un sonido/dominátrix capaz de someter al público hasta la sumisión total. Armado con un viejo sintetizador absolutamente incontrolable, Bennett acabaría por crear ese sonido que daría forma finalmente a Whitehouse, pero que antes alumbró a <span style="FONT-WEIGHT: bold">Come</span> como paso previo para lo que llegaría después.</span><br /><br /><div style="TEXT-ALIGN: center; COLOR: rgb(255,255,255)"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.newyorknighttrain.com/zine/issues/1/photos/whitehouse.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 289px; DISPLAY: block; HEIGHT: 192px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.newyorknighttrain.com/zine/issues/1/photos/whitehouse.jpg" /></a><span style="font-size:85%;">Whitehouse en 1982</span><br /></div><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive045.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 177px; FLOAT: left; HEIGHT: 247px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive045.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Come fue así el proyecto puente que Bennett parió en 1979 con la complicidad del propio Daniel Miller y <span style="FONT-WEIGHT: bold">Peter McKay</span>, dando lugar no sólo en 1980 al inicio de Whitehouse sino antes a la creación de <span style="FONT-WEIGHT: bold">Come Organisation</span> (también en el 79), sello discográfico destinado en principio a editar el material de Come y después ya dedicado a la música electrónica extrema y en especial a Whitehouse. Come Organisation dejaría de funcionar en 1985, tras la publicación del mítico álbum <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Great White Death"</span>, en buena medida por la disolución temporal de Whitehouse que se produjo entonces. Volviendo a Come, que por cierto nunca actuaron en directo, el grupo editaría el LP <span style="FONT-STYLE: italic">"Rampton"</span> en aquel 1979 y aún saldría después de su desaparición otro álbum, <span style="FONT-STYLE: italic">"I'm Jack"</span>, aparecido en 1981. Pero en realidad en 1980 el proyecto ya había dejado de existir para dar paso a la creación por parte de Bennett de Whitehouse... Un nombre que surgió a partir de un juego de palabras: Whitehouse era a la vez el nombre de una revista porno y el apellido de Mary, una activista conservadora inglesa, ya fallecida, en permanente cruzada contra la proliferación de '<span style="FONT-STYLE: italic">basura</span>' en la televisión y otros medios.<br /><br /><br /></span><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.someplaceelse.net/shop/images/whitehouse_totalsex.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; WIDTH: 130px; FLOAT: right; HEIGHT: 130px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.someplaceelse.net/shop/images/whitehouse_totalsex.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> Su debut discográfico no pudo ser más brutal: "Birthdeath Experience" (LP, 1980, como todos sus discos hasta 1985 editado por Come Organisation) fue un exorcismo sónico expuesto en seis temas que ya forman parte de la leyenda negra del noise electrónico: <span style="FONT-STYLE: italic">"On Top", "Mindphaser", "Rock And Roll", "The Second Coming", "Coitus"</span> y <span style="FONT-STYLE: italic">"Birthdeath Experience"</span>... Sin tregua alguna tras semejante declaración de intenciones, llegó de inmediato su continuación en <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Total Sex"</span> (también en 1980) con otras seis piezas clásicas </span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">del terror ruidista: <span style="FONT-STYLE: italic">"Total Sex", "Phaseday", "Dominate You", "</span></span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"><span style="FONT-STYLE: italic">Politics", "Roller Coaster"</span> y <span style="FONT-STYLE: italic">"Ultrasadism"</span>. </span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/6/66/Whitehouse-DedicatedtoPeterKurten.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 132px; FLOAT: left; HEIGHT: 132px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/6/66/Whitehouse-DedicatedtoPeterKurten.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">En 1981 la productividad de B</span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">ennett se desborda aún más. </span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Tres nuevos LPs en un solo año dando lugar a una progresiva escalada de torturas sonoras pareja al nivel de influencia que Whitehouse iba adquiriendo entre futuras generaciones de músicos ruidistas: <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Erector"</span>,<span style="FONT-WEIGHT: bold"> "Dedicated to Peter Kürten"</span> y el que supone el quinto álbum de su discografía, <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Buchenwald"</span>... </span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Hoy, sin ir más lejos, se puede afirmar que "Dedicated to Peter Kürten", su cuarto LP, suena todavía como uno de los más extremos y brutales discos electrónicos jamás realizados.</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Con la edición de <span style="FONT-WEIGHT: bold">"New Britain"</span> en 1982 se cierra un primer ciclo, marcado por estos seis LPs producidos todos por William Bennett y Peter McKay. Es entonces cuando <span style="FONT-WEIGHT: bold">Peter Sotos</span> y <span style="FONT-WEIGHT: bold">Philip Best</span> se unieron al proyecto. Sotos, actualmente residente en Chicago, ha llegado a tener una cierta notoriedad como escritor de algunos controvertidos y extremos libros underground como <span style="FONT-STYLE: italic">"Index" </span>y "<span style="FONT-STYLE: italic">Total Abuse"</span>. Por su parte Philip Best (<span style="FONT-STYLE: italic">Consumer Electronics</span>), que se unió a la banda con sólo 14 años de edad, es a día de hoy el 50% del proyecto Whitehouse.<br /><br /></span><div style="TEXT-ALIGN: center; COLOR: rgb(255,255,255)"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://feastofhateandfear.com/images/Peter_Sotos.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 155px; DISPLAY: block; HEIGHT: 155px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://feastofhateandfear.com/images/Peter_Sotos.jpg" /></a><span style="font-size:85%;">Peter Sotos (miembro de la banda hasta 2002)</span><br /></div><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.someplaceelse.net/shop/images/whitehouse_greatwhite.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 124px; FLOAT: left; HEIGHT: 124px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.someplaceelse.net/shop/images/whitehouse_greatwhite.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> 1982 también vió la primera<span style="FONT-WEIGHT: bold"> 'Live Action'</span> de Whitehouse (en Londres) y la edición de un nuevo álbum: <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Psychopathia Sexualis"</span>. Un año más tarde publicarían <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Right To Kill"</span>, del que se prensarían menos de 300 copias, siendo prácticamente una edición clandestina, trabajo previo a la aparición en febrero de 1985 del clásico y magistral <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Great White Death"</span>. Grabado en Noviembre del 84, "Great White Death" culmina sin respiro, hasta la extenuación, el proceso de corrosión electrónica iniciado en 1980.</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Tras la desaparición de Come Organisation en 1985 hay una período de inactividad hasta que en 1988 es creado en Chicago (en el estudio de <span style="FONT-STYLE: italic">Steve Albini</span>) el sello <span style="FONT-WEIGHT: bold">Susan Lawly</span> durante las sesiones de grabación del que luego sería su álbum <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Thank Your Lucky Stars"</span> (1990). La primera referencia de Susan Lawly fue el single 7" "Thank Your Lucky Stars / Sadist" (1988; "Thank Your Lucky Stars" co-escrita por Bennett y<span style="FONT-WEIGHT: bold"> Dave Tibet </span>-Current 93-) al que le seguiría la compilación <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Cream Of The Second Coming"</span> ya en 1990.<br /><br /></span><div style="TEXT-ALIGN: center; COLOR: rgb(255,255,255)"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/whlive011.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 215px; DISPLAY: block; HEIGHT: 179px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/whlive011.JPG" /></a><span style="font-size:85%;">Sotos y Best en una de las últimas Live Action del primero (2001)</span><br /></div><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Tras "Thank Your Lucky Stars" (1990) Whitehouse publican cinco álbumes más a lo largo de los siguientes siete años: <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Twice Is Not Enough" </span>(editado en Enero de 1992), <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Never Forget Death"</span> (1992), <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Halogen"</span> (1994), éste de nuevo coproducido en Chicago con Steve Albini, lo mismo que el siguiente <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Quality Time"</span> (1995)...; y finalmente, cerrando la década de los 90, el antes citado<span style="FONT-WEIGHT: bold"> "Mummy And Daddy"</span> (1998).</span><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.diskpol.com/images/cat/0019/19992.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; WIDTH: 145px; FLOAT: right; HEIGHT: 144px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.diskpol.com/images/cat/0019/19992.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> El nuevo siglo les mantiene vivos y peligrosos. Produciendo nuevo material, actuando con sorprendente frecuencia, atosigando e incordiando mentes acomodaticias.<span style="FONT-WEIGHT: bold"> "Cruise" </span>(2001, último trabajo oficial con Peter Sotos, que queda fuera de Whitehouse a finales de 2002) y <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Bird Seed"</span> (2003), que presentaba unos apuntes de evolución insospechados, son buena muestra de ello. La participación aún de Sotos en el tema que daba titulo a <span style="FONT-STYLE: italic">"Bird Seed"</span>, utilizando elementos externos, testimonios directos grabados sobre el maltrato doméstico, violaciones a menores, etc... tiene un efecto sencillamente devastador... Del mismo modo que <span style="FONT-STYLE: italic">"Cut Hands Has The Solution"</span>, el siguiente tema, conducía a Whitehouse a un minimalismo tan sorprendente como la soberbia utilización aquí hecha de las voces.</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Y vuelta al principio, a 2006 y a la reciente edición de su último e inapelable álbum, <span style="FONT-WEIGHT: bold">"Asceticists"</span>, con siete temas que nos dan su dimensión real hoy en día. William Bennett (voces, instrumentos, Sony) y Philip Best (voces, instrumentos, Roland)</span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.synrecords.com/media/images/whitehouse%20-%20aestheicists.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 163px; FLOAT: left; HEIGHT: 160px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.synrecords.com/media/images/whitehouse%20-%20aestheicists.jpg" /></a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> triturando esquemas preconcebidos para facturar la clase de electroterror que hoy habría que esperar de unos Whitehouse fieles por encima de todo a su propia razón de ser, pero también en una cierta progresión que abre nuevas dimensiones a su violencia sonora. </span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">Subterráneas secuencias rítmicas, ruidismo minimalista, una complejidad latente en el muro electrónico </span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">que suda bajo las voces. <span style="FONT-STYLE: italic">"Dans", "Language Recovery", "Guru"</span>, el instrumental <span style="FONT-STYLE: italic">"Nzambi Ia Lufua"</span>, <span style="FONT-STYLE: italic">"Killing Hurts Give You The Secrets", "Ruthless Babysitting"</span> y <span style="FONT-STYLE: italic">"Dumping The Fucking Rubbish"</span> suenan contemporáneos, caóticamente contemporáneos...<br /><br /></span><div style="TEXT-ALIGN: center; COLOR: rgb(255,255,255)"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive052.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; DISPLAY: block; HEIGHT: 226px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.susanlawly.freeuk.com/picturefiles/wblive052.JPG" /></a><span style="font-size:85%;">Bennett en acción en Bilbao en 2002</span><br /></div><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"><br /></span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">William Bennett: <i>"The wider personal reactions we elicit are undoubtedly an integral aspect of the art itself. It's designed to create intense reactions, and is thus extremely revealing. In this way, we look into a mirror reflecting our own, occasionally troubled, souls"</i>.<br /><span style="font-size:85%;"><br /></span></span><div style="TEXT-ALIGN: right; COLOR: rgb(255,255,255)"><span style="COLOR: rgb(0,0,0)"><span style="font-size:85%;">Extraido de <a href="http://www.experimentaclub.com/">experimentaclub06</a></span></span><br /></div><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"><br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">Recomendables</span>:<br /><br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">>'Birthdeath Experience'</span> (Come Org. 1980; Susan Lawly Re-Ed. 1993)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">> 'Dedicated to Peter Kürten' </span>(Come Org. 1981; Susan Lawly Re-Ed. 1996)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">> 'Great White Death'</span> (Come Org. 1985; Susan Lawly Re-Ed. 1997)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">>'Mummy and Daddy' </span>(Susan Lawly 1998)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">> 'Bird Seed' </span>(Susan Lawly 2003)<br /></span><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">> 'Asceticists 2006' (Susan Lawly 2006)</span><br /><span style="COLOR: rgb(0,0,0)"><span style="COLOR: rgb(255,255,255); FONT-WEIGHT: bold"><br />Enlaces: </span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">> </span><a style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.susanlawly.freeuk.com/">Susan Lawly </a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">[Discográfica y web oficial]</span><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">> </span><a style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://www.neox.demon.co.uk/whitehouse/">Página No Oficial</a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> [No suele actualizar]</span><br /><span style="COLOR: rgb(255,255,255)">> </span><a style="COLOR: rgb(255,255,255)" href="http://elsitiodeltopo.com.ar/whitehouse.htm">Whitehouse en elsitiodeltopo</a><span style="COLOR: rgb(255,255,255)"> [en castellano]</span><br /><br /><br /></span></div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1145319822881385572006-04-18T02:15:00.001+02:002010-03-10T23:22:12.270+01:00Legendary Pink Dots: el caleidoscopio terminal<div style="TEXT-ALIGN: justify"><span style="FONT-WEIGHT: bold;font-size:85%;" ><span style="font-family:verdana;">Al comando de un inglés volador, exactamente en el año 1980, despegó una nave fuera de control que todavía insiste con sumergirse en lo más profundo del ser o no ser humano.A bordo viajan los Legendary Pink Dots, una de las bandas más fascinantes de la historia del rock.</span></span><br /></div><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.thehowl.com.ar/img/0102/lpd1.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; WIDTH: 320px; FLOAT: right; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.thehowl.com.ar/img/0102/lpd1.jpg" /></a><em><span style="COLOR: rgb(204,153,51)">"Nos dijeron que el cielo tiene calles de oro... OK, pero de algún lado deben traerlo..."</span><br /><span style="COLOR: rgb(204,153,51)">"Voy a ser tu pequeña ostra... Voy a ser tu ancho mundo entero."</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(204,153,51)">"Estoy esperando al lado de tu cama, espero una señal. Yo nunca duermo."</span><br /><br /><span style="COLOR: rgb(204,153,51)">"Nuestra Virgen vende pañuelos de papel para secarnos las lágrimas. Años de benditas atrocidades en el nombre de nuestro Dulce Señor..."</span><br /><br /></em>Es posible que las citas anteriores sugieran y sean relevantes por sí mismas, fuera de contexto; o quizás se las pueda ver como refinados delirios de algún poeta maldito. En cualquier caso la idea sería correcta, ya que pertenecen a la pluma de <strong>Edward Ka-Spel</strong>, letrista, deconstructor, y cerebro gestador de los <strong>Legendary Pink Dots</strong>, hombre que ya desde su apellido deja traslucir que no es alguien cualquiera.<br /><br />Inglés de nacimiento, holandés por opción posterior, todavía en su tierra natal se une a un tecladista llamado <strong>Phil Knight</strong> y a una niña llamada <strong>April Iliffe</strong> ? de la cual se desconoce historia posterior fuera de esta incipiente formación - y bautizan al trío con el nombre que no cambiaría hasta el presente. Con un pobre arsenal de instrumentos graban en cintas sus primeros trabajos, básicamente pop de bases programadas con un toque de psicodelia. La discreta existencia de la banda continúa con entradas y salidas de integrantes hasta la aparición en 1982 de lo que formalmente se considera su primer álbum, <em>Brighter Now</em>.<br />La inestabilidad inicial incluía a las pequeñas discográficas en las cuales publicaban. Cualquier coleccionista debe trabajar bastante para documentar esta primera época de la formación, ya que sus trabajos salieron en por lo menos diez sellos de todo el mundo hasta el 26 diciembre de 1984. Ese fue el día más importante en la historia del grupo: Ka-Spel y sus tripulantes parten de la poco acogedora Inglaterra hacia Nijmegen, Holanda, tierra que nunca abandonarían como residencia.<br /><br />Al poco tiempo de establecidos fichan para el pequeño gran sello belga <em>Play It Again Sam</em>, reducidos los Pink Dots al dúo Ka-Spel/Knight y músicos satélites, y lanzan ?con integrantes que a posteriori perdurarían durante años- <em>Faces In The Fire</em>.<br /><br /><table border="0" cellspacing="0" cellpadding="5" width="600"><tbody><tr><td align="middle"><img src="http://www.thehowl.com.ar/img/gris2x120.jpg" width="200" height="1" /></td></tr><tr style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(204,153,51); FONT-WEIGHT: boldfont-family:verdana;" ><td><table border="0" cellspacing="0" cellpadding="10" width="450" align="center"><tbody><tr><td class="destacadonota" valign="center" align="middle"><span style="font-size:130%;">El presente los encuentra más creativos y diversos que nunca, con más de quince increíbles trabajos editados por Ka-Spel en solitario, sumados a los más de veinte de la banda.</span></td></tr></tbody></table></td></tr><tr><td align="middle"><img src="http://www.thehowl.com.ar/img/gris2x120.jpg" width="200" height="1" /></td></tr></tbody></table>A esta altura ya podía decirse que tanto la poesía de Ka-Spel como la banda toda estaba madura y lista para los grandes trabajos posteriores, las primeras giras organizadas seriamente por Europa toda, un par de álbumes que apuntaban cualitativamente hacia arriba y, ante todo, la gran apertura instrumental y musical: toda clase de vientos, ensambles de cuerdas, grabaciones tomadas y generadas, deformadas y superpuestas con inteligencia para lograr climas soberbios, el creciente componente improvisatorio ?ya disponían de violinista y saxo/clarinetista estables-, el desprendimiento definitivo del estricto pop para absorber las músicas del mundo, el kraut homenajeado y reformulado, la repetición, el ruidismo y el ambient no como forma abordada aisladamente sino funcional en composiciones en forma de suites, y la versátil y particular voz de Ka-Spel - tan fría y seriamente europea, a la vez que tan expresiva -, forman parte de una forzosamente incompleta lista de características que son la impronta de su mundo en revolución constante.<br /><br />El año 90 los encuentra lanzando su disco más vendido hasta la actualidad, <em>The Maria Dimension</em>, que terminó de afirmarlos como banda de culto, y sin embargo ninguno de sus trabajos va seguramente a alcanzar el vuelo de <em>Shadow Weaver</em> y <em>Malachai: Shadow Weaver Part 2</em> (1992 y 1993 respectivamente), par conceptual e inseparabe que puede tomarse como un resúmen acabado y definitivo de su obra hasta ese momento, cuya segunda parte fue producida por <strong>Steven Stapleton</strong>, de <em>Nurse With Wound</em> , con quien Ka-Spel ya venía trabajando separadamente en otros proyectos.<br /><br />En este punto puede decirse que la nave Pink Dots puso piloto automático, pero en el buen sentido: ese piloto (vigilado siempre de cerca por el capitán de la nave) les permitió elegir ediciones para un sello norteamericano (<em>Soleilmoon</em>, que les franqueó las puertas a buenas ventas y giras en Estados Unidos) y reservar otras para su propio sello, <em>Terminal Kaleidoscope</em>.<br />El presente los encuentra más creativos y diversos que nunca, con más de quince increíbles trabajos editados por Ka-Spel en solitario (sumados a los más de veinte de la banda), sin ningún miembro que no tenga un proyecto paralelo estable y de larga data, estrenando sello propio con nombre de queso (<em>Caciocavallo</em>) y con alguna ? aún cruda - tentativa de que la nave aterrice en Buenos Aires.<br /><br />Con lo dicho hasta ahora -sumado a los versos que abren la nota- queda claro que Ka-Spel compone y escribe desde el escepticismo, el desencanto, que sus historias de amor protagonizadas por muñecas chinas nunca terminan bien ? como en la vida real -, y habrá que darle la razón cuando define a su banda como un <em>apocalipsis controlado</em>, y al mundo como un <em>caleidoscopio terminal</em>.<br /><br /><div style="TEXT-ALIGN: right;font-family:arial;" ><span style="font-family:verdana;font-size:78%;">por <a class="mailtonota" href="mailto:mbozeglav@thehowl.com.ar">Mario Bozeglav [The Howl.ar]</a><br /><br /><br /></span><div style="TEXT-ALIGN: left">Discos Imprescindibles de <strong style="FONT-WEIGHT: bold">The Legendary Pink Dots</strong>:<br /><br /><strong></strong><strong>> Crushed Velvet Apocalypse</strong> (1989, Play It Again Sam Records)<br /><strong>> The Maria Dimension</strong> (1990, Play It Again Sam Records)<br /><strong>> Malachai: Shadow Weaver Part 2</strong> (1993, Play It Again Sam Records)<br /><strong>> A Perfect Mystery</strong> (2000, Caciocavallo)<br /><br /><strong style="FONT-WEIGHT: normal"><span style="FONT-WEIGHT: bold">Edward Ka-Spel </span>en solitario:<br /><br /></strong><span style="FONT-WEIGHT: bold">> </span><strong style="FONT-WEIGHT: bold">Laugh China Doll</strong><span style="FONT-WEIGHT: bold"> </span>(1984, Torso)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">> </span><strong style="FONT-WEIGHT: bold">Tanith And The Lion Tree</strong><span style="FONT-WEIGHT: bold"> </span>(1991, Third Mind Records)<br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">> </span><strong>The Blue Room</strong> (1998, Soleilmoon)<br /><br />Algunos <span style="FONT-WEIGHT: bold">enlaces</span> interesantes:<br /><br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">></span><a style="FONT-WEIGHT: bold" href="http://www.brainwashed.com/lpd/"> </a><a style="FONT-WEIGHT: bold" href="http://www.brainwashed.com/lpd/"><strong style="FONT-WEIGHT: normal">The Legendary Pink Dots en brainwashed.com</strong></a><br />> <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Legendary_Pink_Dots">Wikipedia</a><br />> <a href="http://www.discogs.com/artist/Legendary+Pink+Dots,+The">Discogs.com</a><br /><br /></div></div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1140459253839349262006-02-20T19:01:00.001+01:002010-03-10T23:22:50.322+01:00Anton S. LaVey, "El Papa Negro"Durante la década de 1960, los católicos eran vistos en Estados Unidos como gente <b>muy</b> extraña, con rituales densos y sombríos, ibros de demonología, se les podía ver por la calle vistiendo estrictamente de negro, algo que para la mayoría blanca anglosajona protestante ?<i>wasps</i>? era muy raro. Sus sacerdotes y monjas eran ajenos al paisaje estadounidense. Sus santos eran personajes misteriosos, pero las grandes celebraciones católicas que se llevaban a cabo en las grandes ciudades, donde predominaban los católicos, eran una verdadera fiesta. Además, se "<i>nacía</i>" católico, la mayoría eran extranjeros con acentos y atuendos bastante extraños. Esto es algo fácilmente reconocible en LaVey. Gran parte de la iconografía que manejaba en esos dias está calcada de los sombríos rituales católicos, y esto le daba un ambiente mucho más "misterioso" a las teatrales puestas en escena que se llevaban a cabo en San Francisco.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.odaha.com/Images/Comment/lavey.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; WIDTH: 225px; FLOAT: left; HEIGHT: 318px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.odaha.com/Images/Comment/lavey.jpg" /></a>Anton LaVey se consideraba como el fundador y Sumo Sacerdote de la primera institución religiosa contemporánea abiertamente satánica, pero jamás alegó inventar una filosofía social o religiosa, ya que su satanismo estaba compuesta de muchos postulados sociales que existían con anterioridad, sólo que se encargó de darles forma e incluirlos en un cuerpo coherente al que dio el nombre de Satanismo. <p>Cuando LaVey escribio <b>La Biblia Satánica</b> lo hizo para dejar sentado y de manera formal, un documento que contuviera los pensamientos y bases del movimiento neo-satanista. El replantear el pensamiento y el comportamiento del hombre en base a sus impulsos e instintos naturales; el agudizar todas las habilidades que el hombre tiene en potencia; esas habilidades que todo animal por naturaleza tiene. Eso es lo que esta plasmado en la "<i>Biblia</i>" de LaVey. Hasta cierto punto es comprensible el "escándalo" que causó dicho librito, ya que no podemos olvidar que la cultura anglosajona es la más puritana, gazmoña, intolerante e hipócrita del mundo, y que muy probablemente se prohibiría su publicación en nuestros días. </p><p>Hoy en día es bien conocido que LaVey no escribió "<i>El Libro de Satán</i>" de <b>La Biblia Satánica</b>, ni mucho menos las <i>Llamadas Enoquianas</i>, pero sí redactó la colección de ensayos que conforman "<i>El Libro de Lucifer</i>" así como las instrucciones para las ceremonias mágicas y religiosas del "<i>Libro de Belial</i>". Hasta 1975, la <b>Iglesia de Satán</b> ?<i>Church of Satan</i> o CoS? jamás consideró <b>La Biblia Satánica</b> como su <i>Escritura</i>, ni como el principio y el fin de la doctrina satánica, mucho menos como un ícono de su organización, sino básicamente como una "declaración básica dirigida al público", un texto promocional para que la gente se enterara en qué consistía el "<i>satanismo</i>". Como diría un buen amigo mío, <b>La Biblia Satánica</b> <i>no es</i> <b>El</b> Camino, sino una señal en el camino. </p><h3>Sus Motivaciones</h3><p>Al igual que otros judíos que se vieron rechazados por la sociedad blanca anglosajona y protestante ?<i>wasp</i>? que les rodeaba, Anton LaVey <i>se convirtió en un judío que se odiaba a sí mismo</i>. Muchos judíos que vivían en las mismas condiciones, pero que gustaban de la condición étnica que les daba su ascendiente judío, se convertirían en radicales de izquierda y se unirían a otros grupos y minorías anti-wasp que hubiese en los alrededores. Los demás terminaban odiándose a sí mismos. Esto no es una crítica a LaVey, es simplemente un hecho que ayuda a ubicarlo en el contexto adecuado, y una crítica a la sociedad causante de este comportamiento. Por ende, no es de sorprender que tomase para sí la '<i>personae</i>', es decir, la encarnación de lo que resultaba más odiado para ésa sociedad: <i>El Diablo</i>.</p><p><br /></p><p><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.churchofsatan.com/Graphics/News/LaVey05.jpg"><img style="MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; WIDTH: 254px; FLOAT: right; HEIGHT: 295px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.churchofsatan.com/Graphics/News/LaVey05.jpg" /></a>Esta es la clave para comprender a LaVey, aquello que en realidad lo motivaba. Ésta '<i>personae</i>' del Diablo no era algo que resultase chocante a los Judíos o a cualquier otro grupo étnico a excepción de los <i>wasps</i> de los que se hizo rodear durante años. Algunas personas con cierta formación cultural verían en su juego inversionista algo más que pura sátira católica, y le darían un significado más profundo, mucho más allá de la polémica que generó en aquél entonces, y se lo tomaron en serio. <b>Michael Aquino</b>, por ejemplo, era de quienes creía que LaVey hablaba en serio. Y con el correr de los años la <i>CoS</i> atraería a gente bastante preparada, pero lastimosamente su número sigue siendo minúsculo en comparación con la basura que curiosea en el Satanismo como una opción, o si se quiere, un estilo de vida</p><p>Sin embargo, lo que muchas personas no vieron en aquel momento era que por aquel entonces LaVey cortejaba a la peor calaña nazi que pudiera encontrarse, a la vez que mantenía su fijación por ciertos fetiches de su preferencia, incorporándolos al ethos de lo que comúnmente se denomina el Sendero Siniestro. Además, durante la década de 1970, LaVey se esforzó en ganar la aceptación de los peores grupos de Diabolismo Ario porque fueron los únicos que se dieron el privilegio de rechazarlo ?por el simple hecho de ser judío? de manera mucho más ruda que de lo que alguna vez lo hubiese hecho alguien.</p><p>Sus constantes diatribas contra el rebaño demuestran que tuvo que haberles puesto mucha atención, ya que sólo escribía para ellos. La mayoría de sus escritos no son otra cosa que comentarios para, por, o en contra del rebaño... es decir, si de verdad los hubiera ignorado, no habría escrito tanto sobre ellos. La única manera que halló para defenderse de ese rebaño fue refugiarse cual monje cisterciense en el sótano de su mansión. Sin embargo, no hay que olvidar que era ése rebaño al que decía despreciar quienes compraban sus libros y le hacían la corte. Ambas partes salían beneficiadas, así que tampoco hay mucho problema. </p><h3>La Biblia Satánica</h3><p>Para cualquiera que lea <i>La Biblia Satánica</i> resulta obvio que éste es un libro dirigido a una audiencia <b>cristiana</b>, cuyo objetivo es el de aclararle, a quienes no sepan, lo que es el Satanismo ?es decir, no es Revelación ni Escritura de ningún tipo; de hecho, no resiste el mínimo análisis histórico, y los dos primeros "libros" de <i>La Biblia Satánica</i> son un conjunto de máximas hedonistas, varios principios de sentido común, obvios para cualquiera que no haya crecido en un ambiente represivo, y que en muchas de sus afirmaciones alcanza un alto grado de ingenuidad.</p><p>La primera parte de <i>La Biblia Satánica</i> es, probablemente, la que más atractivo tiene para el lector Cristiano, ya que está escrita de manera bastante agresiva. (Como todos sabemos, los Cristianos lo saben todo sobre rabia reprimida; es su estado permanente). Hoy se sabe que <i>El Libro de Satán</i> es una adaptación de un libelo de finales del siglo XIX llamado <i>El Poder Tiene la Razón</i> (<i>Might Is Right</i> en el idioma original) cuya autoría se ha atribuido tanto al novelista estadounidense y activista radical de izquierda <b>Jack London</b>, como a un activista político, periodista y escritor neozelandés llamado <b>Arthur Desmond</b>, quien se distinguió por defender los sindicatos de trabajadores y por luchar en el congreso de su país por los derechos de los trabajadores, y su violento anticlericalismo.</p><p>Para un ocultista que se tome las cosas demasiado en serio, los rituales descritos en <i>La Biblia Satánica</i> pueden parecer ridículos. Sin embargo, tiene una función doble: sirven como <i>psicodrama</i>, como catártico, o bien como una fiesta de cumpleaños, donde pasas un buen rato, y gastas tu tiempo de una manera agradable; todo depende de la actividad desarrollada por el celebrante, y el objetivo que se tenga en mente. </p><p>A pesar del prefacio donde el autor advierte contra los "falsos profetas" que terminan por transformar al aspirante a mago en un tonto que desperdicia su tiempo arrojando moneditas al aire, <i>La Biblia Satánica</i> contiene muy poco de las filosofías que siempre fueron consideradas "peligrosas", filosofías que trascienden el dualismo esquizoide que caracteriza a las religiones de salvadores, filosofías de la carne ?las así llamadas "doctrinas oscuras".</p><p>La manera en como está escrita <i>La Biblia Satánica</i> atrae particularmente a cierto grupo de personas. Dichas personas son del tipo de gente que acabo de describir. Puede que algunas de estas personas tengan ciertas capacidades intelectuales, pero son tan estúpidas que, cuando LaVey declaró que el Satanismo se basaba en la complacencia en lugar de la abstinencia, tuvo que <b>explicarles</b> que el exceso de complacencia no era complacencia, sino compulsión. Básicamente, fue un libro dirigido a personas reprimidas, a Cristianos renegados que habían perdido la batalla por sus mentes.</p><h3>La Iglesia de Satán</h3><p>Tras la muerte de LaVey, su hija y su amante se encargarían de dirigir la organización. Sin embargo, Karla LaVey tenía motivos para no querer trabajar con la amante de su padre. Blanche Barton es la típica chica americana formada en un un hogar estrictamente religioso que apoya las mismas ideas de los fundamentalistas cristianos sobre el aborto y que está en contra del derecho que tendría toda mujer de elegir de hallarse en una situación tal, anti-gay y contra los 'peligros' de la tecnología moderna. </p><p>Hoy en día la jerarquía de la <i>CoS</i> ocupa su tiempo en distorsionar la realidad: siguen inmersos en algunas prácticas culturales de un país en particular (los Estados Unidos) y están embarcados en una campaña por desvirtuar a sus competidores, de una manera tan patética, que cabe cuestionarse sobre la inteligencia de quienes están a cargo.</p><p>En cuanto a sus miebros, cualquiera pensaría que, con tantos afiliados, la <i>CoS</i> pensaría en "organizarse" un poco más. Esto La ventaja ?tal vez la única que tenga? es que cada miembro sigue su propio camino, sin molestar a otros con la excusa de "conocer mas satanistas", uniendo fuerzas con unos cuantos miebros si así lo requieren sus necesidades, y sin perder de vista los beneficios que se pueda tener de una plausible unión con otro miebro. No hay que olvidar que el lema del Satanista es "<i>¿Quién se beneficia, y de qué manera?</i>" En lo que a mi concierne, si alguien me pregunta si debe o no afiliarse a la COS para ser Satanista, mi respuesta sería "<i>No. Te haría más provecho invertir el dinero en otra cosa que sea de tu agr</i><i>ado... además, piensa si tu inversión se justifica por el benefico casi nulo que puedes obtener</i>".</p><h3>Conclusiones</h3><p>LaVey creía que al utilizar palabras como "<i>Iglesia</i>" y "<i>Biblia</i>" de manera satírica, parodiando el significado que habían tenido hasta entonces, terminaría por destruir lo que representaban dichas palabras. Infortunadamente, tal corrupción es <b>imposible</b> para gente firmemente arraigada en un marco ideológico que en esencia <b>es</b> cristiano. Para ellos, las palabras "<i>Iglesia</i>" y "<i>Biblia</i>" siempre tendrán connotación cristiana. En lugar de permitir que sus creencias sean alteradas, lucharán contra ello, y como son criaturas formadas en el odio, se lanzarán a la lucha con entusiasmo, habrán encontrado una nueva "Causa". Las palabras "<i>Iglesia</i>" y "<i>Biblia</i>" despertaron la curiosidad de muchos cristianos y atrajeron su atención, una atención que, primero que todo, no era necesaria. Este fue un grave error por parte de LaVey, que le costó la persecución que tuvo lugar en la década de 1980 durante el llamado <b>Pánico Satánico</b>. Tal vez habría sido menos reditual, pero más efectivo, si no se hubiera dedicado a buscar la aceptación y llamar la atención de la sociedad cristiana en la cual vivía, que prefirió relegarlo al ostracismo, donde murió pobre, aislado del mundo, en un hospital de caridad atendido por monjas. </p><p>Al igual que Crowley, la única forma de juzgar al llamado Papa Negro sería olvidarnos de su persona y concentrarnos en su filosofía. Puede que, al final, ambos tuvieran razón.</p><p><span style="FONT-STYLE: italic;font-size:85%;" >por Tezcat [El Templo de Tezcat<span style="FONT-WEIGHT: bold"> <span style="COLOR: rgb(255,0,0)">Inactiva</span></span> ]</span></p><p><span style="FONT-WEIGHT: bold;font-size:100%;" >Enlaces interesantes:</span></p><p>> <a href="http://www.churchofsatan.com/">Web de La Iglesia de Satán de Anton LaVey</a>.<br />> LaVey en la <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Anton_LaVey">Wikipedia</a>.<br />> "La Biblia Satánica" en <a href="http://www.amazon.com/gp/product/0380015390/ref=sr_11_1/102-6218617-2625710?%5Fencoding=UTF8">Amazon</a>. [en inglés]</p><p><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.cosemporium.com/item_images/t_37_01.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 141px; DISPLAY: block; HEIGHT: 234px; CURSOR: pointer" border="0" alt="" src="http://www.cosemporium.com/item_images/t_37_01.jpg" /></a></p><span style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)"></span><span style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)"><br /><br /></span>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1134504381248744892005-12-13T20:51:00.001+01:002010-03-10T23:23:52.215+01:00Hermann Nitsch: ¿Arte total en tiempos posmodernos?Si ha habido un grupo de artistas radical ha sido el llamado <em style="FONT-WEIGHT: bold">Accionismo Vienés</em>, que allá por los años 60 revolucionaron el panorama en la tranquila Austria, creando <span style="FONT-STYLE: italic">happenings</span> de fuerte impronta corporal, en donde las frías instalaciones que ahora dominan estaban llenas de sangre, fluidos de toda clase, música devastadora y otros elementos capaces de alterar a un público convencional. Uno de los creadores de esta actitud es <a style="FONT-WEIGHT: bold" href="http://www.nitsch.org/">Hermann Nitsch</a>, que desde 1957 montó su <span style="FONT-WEIGHT: bold">Teatro de Orgías y Misterios</span>, un proyecto plástico, literario y musical, que sería como una mezcla del <span style="FONT-STYLE: italic">land-art</span> y el <span style="FONT-STYLE: italic">body-art</span>, con fuerte impronta simbólica, como ahora veremos. Precisamente la <span style="FONT-STYLE: italic">aktion</span> de 1998, en Prinzendorf, ha pasado ya a los anales como algo excepcional: seis días sin parar en el escenario del castillo barroco, un paisaje de viñedos y trigales al noroeste de Austria. Con este motico, la revista <span style="FONT-WEIGHT: bold">Lápiz</span>, dedicada al arte contemporáneo, publicó una entrevista con él en su número 138.<br /><br /><span style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)">"Entre el ritual religioso y la fiesta pagana, </span><i style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)">Teatro...</i><span style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)"> de H. N. pretende la experiencia en todos los sentidos; es un acto de comunión colectiva donde se come carne con el vino de la cosecha más reciente y se asiste, en una acción que combina la belleza con la más visceral repulsión, a la procesión, degollación y descuartizamiento de animales. La música se confunde con el grito de las bestias, el perfume de los inciensos con los olores animales"</span> (pág. 30).<br /><br /><div style="TEXT-ALIGN: center"><img src="http://www.nitsch.org/images/2ts_home_5.jpg" /><br /></div><br />Tuve conocimiento de este espectáculo por una noticia en El País, a raíz de las protestas de diversos grupos reaccionarios (aparte los ecologistas y los pro-defensa de los animales, que tienen mucho que decir). Pero en estos tiempos de lo políticamente correcto resulta difícil entender el sentido que este <span style="FONT-STYLE: italic">Drama</span> tiene, porque lo que Nitsch trata es de recuperar la conmemoración -al comienzo del verano- del principio de la vida o nacimiento (<span style="FONT-STYLE: italic">celebración durante el solsticio de verano, rito del vino joven, hijo de la fecunda tierra</span>), que conlleva la muerte con el consiguiente renacer (<span style="FONT-STYLE: italic">degüello de animales y consumo de su carne</span>). Claro que todo esto, explicado, se queda en nada. <span style="FONT-STYLE: italic; COLOR: rgb(255,0,0)">"Solamente en la experiencia de su dramaturgia se comprende el sentido de totalidad a que aspira la obra"</span> (pág. 31). Lo que en su lugar celebramos ahora (<span style="FONT-STYLE: italic">noche del 23 al 24 de junio, San Juan</span>) es una nimiedad. Se ha perdido toda la fuerza de los antiguos rituales y choca a la mayoría la sensualidad /carnalidad de este proyecto-realidad. Porque, acostumbrados ya a lo virtual /digital/representación <i>cool</i>, nada más perturbador que esta <i>acción</i> que dura varios días (con sus noches), y en donde se mezcla la sangre animal, la carne femenina abierta en canal, la música en tiempo real-espeluznante y los guiños constantes a la liturgia cristiana. Bestial. En la entrevista, previa a la siguente acción, se le pregunta por el público vienés, que detesta su obra sin ambages: él lo atribuye a su esmerada educación en lo "clásico", que hace que rehuya cualquier innovación (frente al público alemán, menos educado y tal vez por ello más abierto). A pesar de todo, en Austria siempre florecen los francotiradores y propulsores de nuevos fenómenos artísticos, en pequeños círculos. Precisamente en Viena, con la <span style="FONT-WEIGHT: bold">Sezession</span>, tuvo lugar una clara actitud de apertura. Y la segunda escuela (en música) provocó la más radical innovación en la historia de la música moderna. Si en pintura, diseño, arquitectura (aquí no tanto) hubo más aceptación, en música la resistencia fue fuerte -el ambiente de vals y opereta era asfixiante-.<br /><br />Expresividad latente conectada con el erotismo-fulgor /destrucción en cierto arte austríaco frente a la aparente tosquedad del expresionismo alemán, ello se realiza con un intenso formalismo, de sutiles detalles (como <span style="FONT-WEIGHT: bold">Klimt</span>). Sus concepciones religiosas y artísticas: influido por el budismo zen, importancia de la idea de vacío, que anula separaciones escolásticas. Esa mezcla de intensa reflexión filosófica unida a la meditación /iluminación (éxtasis) la considera muy importante. Su obra está recorrida por la pasión, el trabajo sobre el terreno-tiempo real, pero hay bajo toda esa exaltación un rigor constructivo muy barroco. Su obra, imbuida de espíritu religioso (sincretismo), pretende desentrañar, observar los misterios de la existencia. ¡Pero nada de instrucción, de educación moral a la alemana! (también rechaza el compromiso político, lo que lo separa bastante de <span style="FONT-WEIGHT: bold">Beuys</span>). Habla de su trabajo en las pinturas (con las manos y con todo el cuerpo, utilización de sangre como elemento importante por sí mismo, y todo en tiempo real). Importancia de la simetría (en el fondo es un maniqueísmo). Elementos complementarios de la instalación: material médico (probetas con sangre u orina, tubos, bisturí, etc.) junto a objetos propios de la Misa (cazullas, copón, etc.). ¿Aludiendo a la idea de terapia, de ritual para la curación-salvación? Hay un elemento que nunca ha faltado en sus obras, los terrones de azúcar: blanco aséptico, forma cúbica, absorbe los líquidos (como el algodón o los tampones higiénicos), asociado, a causa de su sabor, a un estado físico sensual, placentero.<br /><br /><div style="TEXT-ALIGN: center"><img src="http://www.mikeweissgallery.com/..%5Cpublish%5Cworksimages%5Cnitsch_w.jpg" /><br /></div><br />En su conversación cita a <span style="FONT-WEIGHT: bold">Jung</span> (<span style="FONT-STYLE: italic">interpretación del mito a nivel arquetípico</span>) y a <span style="FONT-WEIGHT: bold">Nietzsche</span> (<span style="FONT-STYLE: italic">resituar aspectos del cristianismo en la cultura griega-pagana; importancia del erotismo --capacidad de integración de lo instintivo-- versus la sublimación /moral puritana</span>). Pero en general son simplificaciones típicas de artista. Lo que hay que valorar es esa <i>intensidad</i> que siempre lo mueve, y que se confirma una vez más en los preparativos para el nuevo <span style="FONT-STYLE: italic">Teatro</span> (trescientos participantes, seis días enteros de orgía /comida /cansancio /sexo..., en tiempo real, ¡frente al teatro mimético-abstracto!). Uno llega a pensar que esta insistencia en lo real deja traslucir una seria patología de su autor -¿esquizofrenia, afán de integrarse en el cosmos...?. Este estado extático provocado por la intensificación de los sentidos sólo puede ofrecerlo la experiencia artística. En eso estamos de acuerdo. Cuando <span style="FONT-WEIGHT: bold">Vattimo</span> expone la voluntad de poder como arte y se refiere al exceso /animalidad como características principales, tendría que poner a Nitsch en letras doradas.<br /><br /><span style="FONT-STYLE: italic;font-size:85%;" >por Juan Antonio Ramírez</span> [<a href="http://rizomas.blogspot.com/">Rizomás</a>]<br /><br /><br /><span style="FONT-WEIGHT: bold">Un par de enlaces interesantes sobre Nitsch y el Accionismo Vienés</span>:<br /><br /><span style="font-size:85%;">> </span><a href="http://d-sites.net/english/nitsch.htm">Nitsch y OMT: The artist as a high priest?</a><br /><span style="font-size:85%;">></span> <a href="http://www.teleskop.es/hemeroteca/numero6/arte/art01.htm">Accionismo vienés: ¿Arte o violencia real?</a>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1133890630263387242005-12-06T17:52:00.001+01:002010-03-10T23:24:10.662+01:00GG Allin: Desde la Cloaca<a href="http://www.fenelon.cl/imagen/gg1.jpg"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 259px; FLOAT: left; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://www.fenelon.cl/imagen/gg1.jpg" height="177" /></a><br /><div align="left"><span style="font-size:85%;">por Michel Lefranc<br /></span><br />Se ha convertido, por méritos propios, en uno de los personajes más bizarros de la historia del Rock. Durante casi dos décadas, el <strong>ciudadano Allin</strong> pasó de ser un <em>punkrocker</em> con ganas de incordiar a transformarse en una suerte de ídolo destructivo y nihilista, con una filosofía propia y una actitud kamikaze que no aceptaba ninguna barrera. Quienes hayan oído hablar de él ya saben de su afición al sexo extremo, a las drogas, a la violencia como forma de expresión, al alcohol, a los problemas con la policía y a los siempre inevitables banquetes fecales. Bien.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">Las letras de GG no eran precisamente una glorificación de la paz y el amor. Caos, muerte, sexo extremo, odio, drogas, violencia, parricidio, racismo, zoofilia, coprofagia... y todo dentro de un discurso que no admitía segundas lecturas. Algunos títulos suculentos para escuchar en familia: <em>Anal Cunt</em> (sobre la violación de cadáveres), <em>Cunt Sucking Cannibal</em> (un bonito poema de amor), <em>Kill Thy</em> <em>Father, Rape Thy Mother</em> (el título lo dice todo), <em>I Kill Everything I Fuck</em> (su particular apología del SIDA), el himno de ONGs <em>I Hate People</em>, etc.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">Nada que ver con los comics de <strong>Peter Bagge</strong>. GG era una auténtica máquina de odio, especialmente en su última época. Sus primeros años como <em>punkrocker</em> descerebrado dieron paso a un nuevo GG, mucho más frío y agresivo, que cargaba contra todo con un comportamiento sin límites ni barreras. La violencia, el caos, el asesinato... eran sus proclamas. Si quieren ejemplos del GG más inhumano, escuchen temas como <em>Die When You Die</em>, <em>I Kill Everything I Fuck</em>, <em>Legalize Murder</em> o, a menor escala sísmica, las "festivas" <em>I Love To Be Hated</em> o <em>You Hate Me And I Hate You</em>. Eso sí, que fuera una verdadera máquina de odio no le quitaba tener amiguitos como <strong>John Wayne Gacy</strong>, el <em>clown</em> favorito de los niños (asesino en serie).</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">GG era un tipo muy listo, aunque pueda parecer todo lo contrario. Su condición de kamikaze enloquecido tan sólo era una forma extraña de difundir su "mensaje" a la sociedad. Tanto en los escenarios como, especialmente, en la multitud de juicios a los que fue llevado por escándalo público y demás historias, GG defendía su particular punto de vista con una elocuencia impropia de un pedazo de escoria. Es decir, sabía lo que decía y hacía. Podía ser un criminal en potencia, pero prefería volcar su odio en el escenario en vez de ir matando por ahí. Como bien dijo su colega, el <em>psycho</em> John Wayne Gacy, en la intro de <em>Hated</em>: <strong>"Detrás de todo lo que él hace hay un cerebro"</strong>. </div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">Que fuera un tipo inteligente no le quitaba al bueno de GG de estar bastante chalado, la verdad. Vamos, que un tío cabal no se pasa 15 años de su vida rompiéndose la crisma en el escenario, comiendo sus <em>caquitas</em> y agrediendo a sus propios fans sin que se llegue a cuestionar -ligeramente- su salud mental. Esa locura imprevisible e imparable era lo que le convirtió en toda una leyenda, especialmente en su etapa más brutal (desde los últimos 80 hasta su muerte). Como él decía, <em>"there´s a war in my head"...</em> no hace falta que lo jures.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">El comportamiento de GG nunca fue bien visto por la decrépita sociedad americana, poco después (inicios como <em>punkrocker</em>) ya incitaba a todo tipo de aberraciones desde el escenario, y a finales de los 80... la cárcel se fue convirtiendo en su hogar. Desorden público y demás actos "artísticos" (defecaciones y automutilaciones en sus shows) eran el principal detonante para ir al infierno. Era incómodo tener a un individuo como GG "sembrando el caos" por ahí, y menos disfrazándolo de manifestación "artística". Más de 15 años de bestialidad en escena dan muy mala reputación... GG era peligroso, incitaba a los demás a serlo y, para colmo, todo lo hacía era real. </div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">Todo por el r<em>ock & roll</em>. Es innegable que GG vivía por y para el <em>R'n'R</em>, al menos tal y como él lo entendía, como "el arma definitiva de venganza". GG quería devolver el espíritu original de rebeldía y peligro al Rock y no dudaba en defender su postura con argumentos realmente interesantes. En una célebre intervención en un popular programa de la televisión mexicana, GG soltó la siguiente frase : <strong>"Mi cuerpo es el templo del Rock'n'Roll. Mi sangre, mi carne y mis fluidos corporales son la comunión con mi público"</strong> Un genio. Himnos del <em>R'n'R</em> <em>made in GG</em>: <em>Bite It You Scum, Don't Talk To Me, Gimmie Some Head, Outlaw Scumfuck</em>...</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">Su misión y el manifiesto anárquico</span></strong> </div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">En su faceta más "intelectual" (y durante su estancia entre rejas a finales de los 80), GG realizó un manifiesto que bautizó como <strong>"The GG Allin Mission",</strong> y que recogía su idea del <em>R'n'R</em> como arma de venganza. En él, reflejaba su opinión sobre el actual estado del rock. Sus ídolos (<em>Iggy, Ramones, Sex Pistols...)</em> le habían decepcionado vendiéndose al mejor postor, por lo que él -en cuerpo y heces- tomaría el relevo para devolver al <em>R'n'R </em>la excitación que nunca debió perder. Y para ello, pedía un boicot a las grandes compañías de discos a la vez que anunciaba su suicidio como revulsivo absoluto ante tanta mediocridad, con todo lo que ello conllevaba (GG planeaba suicidarse en escena llevándose consigo a sus fans, como acto supremo de rebeldía y mala leche). Para tener constancia de este manifiesto, y de paso escuchar discursos de Allin en plan sacerdote apocalíptico, basta con hacerse con el destructivo <strong>Murder Junkies</strong> (<em>1991</em>) que grabó junto a <strong>AntiSeen</strong>.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">Varias claves en la <em>filosofía destroyer</em> de GG Allin.</span></strong></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><em><span style="color:#ff0000;">VIOLENCIA</span></em></strong>. O Violación. Al carácter megaagresivo de GG hay que unirle esos encuentros sexuales con <em>groupies</em> que nunca acababan de forma muy romántica. En especial, destacó su encuentro con la groupie <strong>Leslie Morgan</strong>, que le acusó de violación y agresión sexual y que le envió en septiembre de 1989 a la cárcel por una larga temporada, donde proyectó su plan de suicidio en el escenario en <em>Halloween</em> de ese mismo año. Si quieren algunas "bonitas" melodías sobre el suicidio o la violación, ahí tienen <em>Commit</em> <em>Suicide, Abuse Myself, I Wanna Die o I'm Gonna Rape You.<a href="http://www.fenelon.cl/imagen/gg2.jpg"><img style="MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 136px; FLOAT: right; HEIGHT: 189px; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://www.fenelon.cl/imagen/gg2.jpg" height="257" /></a></em></div><div align="left"><em></em></div><div align="left"><em></em></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><em><span style="color:#ff0000;">WHISKY</span></em></strong>. <em>Jim Beam</em> era la bebida oficial del universo Allin, el licorcillo genuíno de un tipo que cantaba<em> "drinking is my sport"</em> y que vivía al límite. Por petición expresa, GG fue enterrado con una botella de Jim Beam en una mano y un micrófono en la otra, mientras sonaba su épica <em>When I Die</em> en un radiocassette. La próxima vez que se tomen un vaso de Jim, dediquenselo al bueno de GG. Seguro que él lo agradece desde el infierno.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><em><span style="color:#ff0000;">HECES</span></em></strong>. La mierda en su estado más salvaje y juguetón ha sido uno de los iconos clave en la carrera del kamikaze Allin. Desde sus comienzos, GG escandalizó a propios y extraños con su brutalidad escénica, pero fue con los numeritos escatológicos con los que levantó más polémica y, a su vez, forjó su leyenda <em>punk</em>. GG solía defecar en el escenario para, acto seguido, embetunarse con su mierda, comérsela o tirarselas a sus espectadores . Él ya lo había dicho. Sus fluídos eran la comunión con su público. Su pasión escatológica se refleja en temas como <em>I Wanna Piss On You o Eat My Diarrhea</em> -más gráfico imposible-, otra bonita frase de GG: "<strong>Si quitas toda la mierda del r'n'r, lo que queda soy yo".</strong> Genio y figura.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><em><span style="color:#ff0000;">¿QUÉ ES LO QUE ME EXCITA?</span></em></strong> A dicha pregunta, GG respondió lo siguiente: <strong>"Me excita el peligro, vivir rápido, romper las normas, las putas, el alcohol, la vida en la carretera, beber orina y sangre, masturbarme, pelear, comer mierda..."</strong> Bien niños, ¿alguna pregunta más ?</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">La ciudad de <strong>Nueva York</strong> es uno de los puntos claves en la vida -y la muerte- de GG Allin. El 28 de Junio de 1993, la policía encontraba su cuerpo muerto en el piso de unos fans. <strong>Causa de la muerte:</strong> fallo respiratorio, debido probablemente a una enorme sobredosis consecuencia de una noche loca de drogas y alcohol. La noche anterior, los <strong>Murder Junkies</strong> habían realizado uno de sus salvajes shows, tras el cual GG desapareció en busca de "vicios nada saludables". El caso es que acabó en casa de unos fans, donde se puso ciego a sustancias ubérrimas y... bueno, fin de la historia. GG tenía 36 años.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;color:#ff0000;">ABECEDARIO ALLIN</span></strong></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div align="left"><strong><span style="font-size:130%;"></span></strong></div><div align="left"></div><div align="left"><strong>-A</strong> de : <strong>ALWAYS WAS, IS AND ALWAYS SHALL BE</strong> (1980), el primer disco en toda regla que grabara GG en compañía de<strong> The Jabbers</strong>. Buenos temas de <em>punkrock</em> con un joven GG que cantaba a las drogas y a las putas con alegría y buen<em> rollo</em>. Sus inicios como <em>punkrocker</em>, en los que desfasaba hasta el límite y ya empezaba a ganarse una reputación de auténtico animal escénico. Los policìas le odiaban y GG parecía divertirse con todo ese circo. El comienzo de la leyenda.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>B</strong> de : <strong>BRUTALITY AND BLOODSHED FOR ALL</strong> (1993). La otra cara de la moneda. El último disco -póstumo, para más señas- de nuestro protagonista. El buen<em> rollo</em> desenfadado de sus primeras grabaciones se había transmutado totalmente en una maquinaria de odio apabullante. Allin se muestra más inhumano que nunca y hace apología del asesinato, del SIDA y del caos. Uno de sus trabajos más devastadores, en compañía de <strong>The Murder Junkies</strong>. La constitución americana según GG Allin. En la carátula posterior de su último disco, el punk cafre por excelencia sale muerto en un ataúd con una botella de<strong> Jim Bean</strong> y acompañado de su banda...The Murders Junkies.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>C </strong>de <strong>COUNTRY</strong>. El amigo Allin planeaba dejar el <em>punkrock</em> para dedicarse al <em>countr</em>y, una buena forma de <em>tocar las pelotas</em> a muchos <em>rednecks </em>patriotas. Su muerte acabó con ese delicioso proyecto, pero aún así GG ya habría llegado a grabar algunos temas en esa onda. <em>Carmelita, Outskirts Of Life o Son Of Evil</em> son algunos de sus eructos con puro sabor americano.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>F</strong> de <strong>FREAKS, FAGGOTS, DRUNKS AND JUNKIES</strong> (1988). Otro de los vinilos fundamentales de GG. De hecho, este era su disco favorito. Grabado junto a la banda <strong>Bulge</strong>, es su trabajo más sucio -la producción la realizó el propio GG- y contiene un buen montón de clásicos, como la demencial <em>Die When You Die</em> o el himno <em>Outlaw Scumfuc</em>, entre otros. Posiblemente, lo más recomendable de GG.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>H</strong> de <strong>HATED: GG ALLIN AND THE MURDER JUNKIES</strong> (1993), el film documental sobre la vida y milagros de <em>La Bestia</em> realizado por <strong>Todd Phillips</strong>. Documento imprescindible para todo buen fan que se precie, ofrece momentos geniales de GG en acción, y declaraciones de colegas de toda la vida, miembros de sus bandas y fans enloquecidos. La escena de la fiesta de cumpleaños y las fiestas universitarias comentadas son todo un clásico.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>J</strong> de <strong>JABBERS</strong>. La primera banda con la que grabó en serio y, definitivamente, una de las mejores formaciones que le acompañarían en su carrera. Representaban la faceta más desenfadada y melódica de la música de GG, con su <em>punkrock</em> a medio camino entre Ramones y The Clash. Sus primeros singles y el mítico <em>Always Was...</em> así lo prueban.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>K </strong>de <em>KILL THE POLICE</em>, uno de los himnos particulares del universo Allin. Pertenece al álbum <strong>Murder Junkies</strong> (1991), que GG grabó junto a los<strong> AntiSeen</strong> y es toda una declaración de principios sobre su "amor" a los chicos de uniforme. Lo cierto es que la policìa era toda una pesadilla para GG -y viceversa-: sus <em>shows</em> siempre estaban rodeados de <em>uniformados</em> preparados para suspender la velada al primer síntoma de violencia o desmadre fecal. Kill The Police se adelantó al <em>Cop Killer</em> de <strong>Body Count</strong>, incluso superándolo en mala leche. Además, hasta se rodó un videoclip de dicho tema. Y la MTV sin enterarse...</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>M</strong> de <strong>MURDER JUNKIES</strong>. La banda definitiva de La Bestia, ergo, la que le acompañó hasta el fin de sus días. En ella tocaba su hermano <strong>Merle</strong> (encantador bajista de bigote hitleriano y kilométricas patillas) y el extravagante batería <strong>Dino Sex</strong>. Posiblemente, los Murder Junkies fueron su mejor banda de acompañamiento, no sólo por lo bien que tocaban sus instrumentos, sino especialmente porque fueron los que aguantaron los años más caóticos y violentos de GG. </div><div align="left"></div><div align="left">¡Si hasta <strong>Dee Dee Ramone</strong> pasó de alistarse a ellos viendo como estaba la cosa! El LP póstumo Brutality And Bloodshed For All (1993) es su trabajo más celebrado, además de un buen puñado de singles que editaron junto a GG. Tras la muerte de su hermano, Merle y los suyos continúan en activo.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">-<strong>S</strong> de <strong>SCUMFUCS</strong>. Otra de las bandas definitivas de mr.Allin, que le acompañaron a mediados de los 80 en numerosos singles. Junto a su líder, el guitarrista <strong>Mucus McCain</strong>, GG grabó temas tan celebrados como<em> I Wanna Fuck Myself, Bite It You Scum o Gimmie Some Head</em>. En el doble recopilatorio <strong>Dirty Love Songs</strong> encontraràs lo mejor de su trabajo juntos.</div><div align="left"></div><div align="left"></div><div align="left">Aparte de con The Murder Junkies, Scumfucs, Jabbers y AntiSeen, GG trabajó con muchísimas más bandas, con las que fue paseando su filosofía extrema. Allin era un tipo inquieto y no se conformaba con grabar con un sólo grupo. Bulge, Texas Nazis, Cedar St Sluts, The Southern Baptists, AIDS Brigade, Toilet Rockers, Motorcity BadBoys, The Holy Men, The Criminal Quartet... fueron algunas de las formaciones que se unieron a La Bestia en su demencial cruzada. Un brindis por ellos.</div><div align="left"></div><div align="left"><strong><span style="color:#ff0000;">Algunos enlaces interesantes sobre G.G. Allin.</span></strong></div><div align="left"><strong><span style="color:#ff0000;"></span></strong></div><div align="left"><span style="color:#cccccc;">></span><a href="http://www.ggallin.com/"><span style="color:#cccccc;">Web Oficial de GG Allin.</span></a></div><div align="left"><span style="color:#cccccc;">></span><a href="http://www.henciclopedia.org.uy/autores/GCurbelo/GGAllinsucidio.htm"><span style="color:#cccccc;">G.G. Allin: la transgresión como suicidio público.</span></a><span style="color:#cccccc;"> [Interesante artículo que relata la relación de Allin con el Cine de Transgresión en los 80]</span></div><div align="left"><span style="color:#cccccc;">>GG Allin en </span><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/GG_Allin"><span style="color:#cccccc;">Wikipedia</span></a><span style="color:#cccccc;">.</span></div><div align="left"></div><div align="left"><strong><span style="color:#ff0000;"></span></strong></div><div align="left"></div>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1133208552143003192005-11-28T21:04:00.001+01:002010-03-10T23:24:30.852+01:00L'Arte dei Rumori (Luigi Russolo)<em><span style="color:#ff0000;"></span></em><br /><em><span style="color:#ff0000;">"Nos divertiremos orquestando idealmente juntos el estruendo de las persianas de las tiendas, las sacudidas de las puertas, el rumor y el pataleo de las multitudes, los diferentes bullicios de las estaciones, de las fraguas, de las hilanderías, de las tipografías, de las centrales eléctricas y de los ferrocarriles subterráneos"</span></em><br /><span style="color:#ff0000;"><em></em></span><span style="color:#ffffff;">Luigi Russolo<br />(Arquitecto del Ruido)<br /></span><br />><a href="http://besalelosdientes.com/topo/rumori.htm">El Arte de los Ruidos (Manifiesto Futurista)</a>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1132605280074066032005-11-21T20:49:00.001+01:002010-03-10T23:24:50.230+01:00Lydia Lunch<a href="http://photos1.blogger.com/blogger/4822/1888/1600/LydiaLunch03.jpg"></a><br /><p align="right"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 325px; DISPLAY: block; HEIGHT: 99px; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/4822/1888/320/LydiaLunch.jpg" width="417" height="120" /> <span style="font-size:85%;"><a href="http://photos1.blogger.com/blogger/4822/1888/1600/LydiaLunch02.jpg"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; FLOAT: left; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/4822/1888/320/LydiaLunch02.jpg" width="200" height="254" /></a>por Crypt Vihâra</span><br /><span style="font-size:85%;"><br /></span>Hay músicos líricos, técnicos, sonámbulos, intelectuales; los hay fantasiosos o fetichistas. Pero en <strong>Lydia Lunch</strong> hay, en buena dosis, algunas de estas cualidades mencionadas, pero lo que en verdad encontramos en su obra, lo que vertebra e impregna su quehacer es la fatalidad. Sus performances, sus libros, sus obras en general se llevan a cabo cumpliendo un rito que no permite volver atrás. Lo fatal no tiene vuelta, se cumple con ello sabiendo que el destino no se vocifera ni se hace retórica con él; se lo padece llevándolo a sus limites o se trasciende. </p><p>Nacida en 1959, en Rochester (New York) como Lydia Kock, Lydia Lunch sufrió abusos sexuales por parte de su padre desde los seis años. A los catorce se fue de su casa. Escribía poesía y relatos desde los diez años, y ya en 1976 nada más llegar a Nueva York comenzó a recitar sus trabajos por las calles. En 1972 había visto al poeta y artista Emilio Cubeiro actuar en el club CBGB y la dejó realmente marcada. Años más tarde colaboraría con él. A los diecisiete se instaló en una casa donde vivía una especie de comuna, entre ellos Kitty, la hija de Lenny Bruce. Allí también ensayaban bandas como Mars, DNA (Arto Lindsay), o Theoretical Girls. </p><p>En 1976, Lydia Lunch trabajaba como camarera del club CBGB y junto a James Chance forma <strong>Teenage Jesus and The Jerks</strong>. Grupo punk donde los haya entre el minimalismo y la atonalidad. Sus actuaciones rara vez duraban más de diez minutos; y es que con la intensidad que descargaban tampoco hacía falta más. Lydia Lunch proclamaba allí sus letras sobre miedo, dolor e insatisfacción. Cabe destacar "Everything" re-editado recientemente por Atavistic y que ejemplifica perfectamente los trabajos de Lydia Lunch dentro del movimiento no-wave. Lo cierto es que James Chance y Lydia Lunch no se llevaban muy bien y el primero abandonaria la banda para formar Contortions. </p><p>En su siguiente banda, <strong>Beirut Slump</strong>, Lydia Lunch dejaría el papel de vocalista a Bobby Swope, dedicándose ella a machacar sin compasión una pobre guitarra, el grupo incluía a Vivienne Dick una realizadora de películas underground (en las que Lydia Lunch participó en numerosas ocasiones) y a Jim Sclavunos que se ocupaba del bajo. El sonido de Beirut Slump era horrible y cruel. </p><p>Lydia Lunch se embarca en 1980 en un proyecto en solitario llamado <strong>Queen of Siam</strong>. Allí demostrará su gran capacidad para acompañarse de la gente apropiada para conseguir el resultado ideado. El disco contiene dos tipos de temas, los oscuros y opresivos y los cabareteros. A la guitarra cuenta con Robert Quine (Voidoids) y a los arreglos y orquesta con Billy Ver Planck (creador de la sintonía de Los Picapiedra). Ese mismo año Lydia Lunch volvería al rock más tradicional, con <strong>8-Eyed Spy</strong>, formado por el bajista George Scott (ex-Contortions), Jim Sclavunos (batería), el guitarra Michael Paumgardhen y el saxo Pat Irwin, que había colaborado en Queen of Siam. La banda se disuelve a la muerte de George Scott en 1980. </p><p>La siguiente banda de Lydia Lunch sería <strong>Devil Dogs</strong>. En ella Lydia Lunch, Jim Sclavunus y Kristian Hoffman se dedicaron a retrabajar clásicos del blues. Hicieron unos cuantos conciertos, entre ellos una actuación en Italia que debía haberse convertido en disco. Tras su traslado a California, Lydia Lunch forma 13.13 junto a tres ex-Weirdos, un curioso intento de nueva psychodelia editado por Ruby Rec. en 1982. </p><p>Durante los primeros ochenta Lydia Lunch pasó una buena época viajando por toda Europa: Londres, Berlín,... junto a gente como <strong>Nick Cave</strong> o <strong>Marc Almond</strong>, una unión que daría frutos realmente interesantes. "The agony is the ecstacy" (disco compartido con Birthday Party) presenta una actuación londinense donde aparece Steve Severin (bajista de Siouxie & the Banshees) distorsionando con una guitarra. De esa época datan también sus colaboraciones con el guitarra de <strong>Birthday Party</strong>, Rowland S. Howard ("Some velvet morning") o con los alemanes <strong>Die Haut</strong> o <strong>Einstürzende Neubauten</strong>. Junto a Exene Cervenka (miembro de X y Knitters), escribiría en 1982 el libro "Adulterers anonymous" editado en Grove Press y posteriormente en Last Gasp Press. En 1983 retorna a Nueva York para colaborar con <strong>Sonic Youth</strong> en el explosivo single "Death valley 69". De entonces es también "In limbo", disco de seis temas con una superbanda que incluye a Thurston Moore (Sonic Youth) y a Pat Place (ex- Contortion / Bush Tetra). </p><p>El siguiente trabajo de Lydia Lunch, "The drowning of Lucy Hamilton" recogido en el CD "Drowing in limbo" sería parte de la banda sonora de la película "The right side of my brain" (1983) de <strong>Richard Kern</strong>, en la cual actúa la propia Lydia Lunch, <strong>Jim Thirlwell</strong> y Henry Rollins bajo un presupuesto global de 500$. Por aquel entonces el grupo de Lydia Lunch lo componían Pat Place, Connie Burg y la propia Lydia Lunch. "Fingered" (1986) sería la segunda película en Super-8 de Richard Kern, en la que actuaría Lydia Lunch, otro híbrido de sexo y violencia en blanco y negro. </p><p>En 1984 Lydia Lunch funda el sello y la editorial <strong>Widowspeak Productions</strong>. Su primera referencia será "The uncensored Lydia Lunch", una grabación de textos realmente fuertes de la propia Lydia Lunch. En su sello publicó también "Hysterie", un recopilatorio doble que recoge más de diez años de carrera comenzando con Teenage Jesus, siguiendo con una reedición de los trabajos de 8-Eyed Spy, grabaciones de Beirut Slump, y terminando con tres colaboraciones recientes (Die Haut, These Immortal Souls y Sort Sol). En su sello aparecen también spoken-words de Henry Rollins, Wanda Coleman, Don Bajema, Hubert Selby Jr. y Emilio Cubeiro.<br />"Honeymoon in red" fue grabado por miembros de The Birthday Party, Thurston Moore y Genevieve McGuckin (These immortal souls) entre 1982 y 1983 un trabajo más orientado al rock. En principio iba a ser un álbum de <strong>The Birthday Party</strong>, pero la banda se separó. Finalmente fue remezclado por Clint Ruin y publicado en el sello de Lydia Lunch y posteriormente re-editado por Atavistic. </p><p>De los The Birthday Party, en los créditos sólo aparecen los nombres de Rowland Howard y Tracy Pew. El siguiente trabajo de Lydia Lunch llamado "Stinkfist" (es una colaboración con Clint Ruin) en su mayor parte instrumental ruidista grabado con la ayuda de Cliff Martínez (ex-Red Hot Chili Pepper) y de D.J. Bonebrake (ex-X). A este álbum siguió "The Crumb" firmado por Lydia Lunch, Thurston Moore y la Honeymoon in Red Orchestra. </p><p>En enero de 1988 publica "Oral fixation", un rapeado grabado en el Detroit Institute of Art. Lydia Lunch formo junto a Kim Gordon (Sonic Youth) y la batería Sadie Mae, un trió en honor de Harry Crews (novelista y profesor de Florida) ese mismo año. </p><p>Las letras procedían de la obra de Harry Crews "Naked in garden hills", que fue además el título del álbum grabado en directo que publicaron. Meses más tarde publica "This gun is loaded" (1988). </p><p><strong>Fragmento de "This gun is loaded" (1988):</strong> </p><p><span style="font-size:85%;"><em>"like that time i was in detroit, right, a little fucking younger & twice as goddamn scrappy... slinking into the south side, hell-bent & ready to blow & i'd go to my favorite crummy, two-bit scummy-as-shit, bullet-roofed hole in the wall chicken shack, bar-b-que to you jack, & i'd order up some fried chicken, potato salad & an orange crush... to go... then i'd look behind the counter to see three of the biggest, the gnarliest, the blackest bastards that i've ever laid eyes on... three black-black-black burnt-to-a-crisp pall-bearers-on-the-weekend-types... & then i'd start praying... praying yeah, that they were gunna turn into some black bruce lee flick in slow-slow-motion... multiplying... growing in size & number, these grungy niggers would start turning into shaft or superfly or some other vegamatic-meat-grinder w/super human strength... & they'd just start tearing me limb from limb, ripping my ass apart, mauling the shit out of me... pawing me with their big greasy meat hooks, twisting, pulling, grabbing prodding that soft white chicken meat, sweet, sweet, sweet, white meat, over & over again... & their filthy great hamhocks stinking of vinegar & piss, puss & pussy... & they got me begging like i died & went to heaven, because that's the kinda girl i am, right... begging please, please, please, please don't force me into it, don't force me into it, don't don't don't' force me into it, force me into it, force me into it... you better force me into it buddy, because if you think i'm gunna take it lying down, buddy, you got another guess coming. Sure, sure, they could've killed me, but they didn't unfortunately because it would've made a much better story... "</em></span> </p><p><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; DISPLAY: block; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://photos1.blogger.com/blogger/4822/1888/320/LydiaLunch03.0.jpg" /></p><p></p><p></p><p>"Shotgun Wedding" (1991) es su más reciente colaboración con Rowland S. Howard. Un trabajo catalogable como un álbum rock, grabado mientras Lydia Lunch estaba viviendo en Nueva Orleans. En 1992 Lydia Lunch continuo con su carrera literaria editando "Incriminating Evidence" ilustrado por Kristian Hoffman y "Bloodsucker" un cómic editado por Eros Comics e ilustrado por Bob Fingerman; al año siguiente publica "AS.FIX.E.8" en Widowspeak con ilustraciones de Nick Cave y Mike Matthews. </p><p>A partir de 1993 comienza a dar clase en el San Francisco Art Institute y edita un triple CD de spoken-word llamado "Crimes against nature" en Triple X Records. </p><p>En 1995 Lydia Lunch vuelve a colaborar con Exene Cervenka grabando "Rude heiroglyphics" para Rykodic un excepcional trabajo de spoken-word en directo (grabado en el Sapphire Supper Club de Orlando en marzo de 1995) que la confirmaría como una las voces femeninas más provocativas por su música, su poesía y sus performances. "Rude heiroglyphics" es una espiral de monólogos que forman un ciclón apocalíptico de lamentos e ira entorno a las violaciones, la pobreza del tercer mundo, el SIDA, la ecología genocida y la malvada súcubo Courtney Love. Indignada y gloriosa la voz de Lydia Lunch reclama el poder para la mujer: "Do you really think you're going to kick a hole in the glass ceiling with glass slippers?" </p><p>En 1997 publica su novela autobiográfica <strong>"Paradoxia, a predator's diary"</strong> y el cómic "Toxic Gumbo" (ilustrado por Ted McKeever) para la DC en la línea Vértigo. Además Lydia Lunch realiza numerosas exposiciones de escultura y fotografía llegando incluso a escribir una obra de teatro. </p><p>En Noviembre de ese mismo año publica "Matrikamantra", un doble CD de spoken-word con música del compositor experimental Joseph Budenholzer. Antes había colaborado con él y con Jim Filer Coleman (Cop Shoot Cop) en un par de ocasiones.</p><p><strong>Archives of Blood de "Matrikamantra" (1997):</strong> </p><p><em><span style="font-size:85%;">History draws its substance from the archives of blood.We are the gravediggers of the future.Each generation raises monuments to the executionerswhich have preceeded it.Society is not a disease; it's a disaster.What you call truth is an error not sufficiently experienced.The tree of life will no longer have spring as one of it's seasons.So much dry wood, will from it be made, coffins from our bones, our grief.Our flesh has inherited the lovely smell of carrion scattered in the millenium. </span></em></p><p>En 1998 se publica el doble recopilatorio "Widowspeak", con cortes de toda su carrera. Sus actuaciones en 1999 por todo Estados Unidos de Norteamérica, las ha realizado acompañada por Jerry Stahl, Hubert Selby Jr. y Karen Finley. </p><p>A finales de 1999 Maren Hancunt edito <strong>"Lady Lazarus: confronting Lydia Lunch"</strong> una completa biografía de esta musa de los 80, que incluye además un par de extensas entrevista. "Lady Lazarus: confronting Lydia Lunch" es el primer análisis en profundidad del impacto en el pensamiento feminista de esta gran artista, así como las implicaciones de su carrera artística. Maren Hancunt nos proporciona con este libro una completa perspectiva de la carrera de Lydia Lunch, centrándose en las dinámicas de misoginia, pornografía, y sexualidad presentes en su obra. </p><p><a href="http://www.lydia-lunch.org/images/marc_viaplana_2004/03.jpg"><img style="MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 236px; FLOAT: left; HEIGHT: 185px; CURSOR: hand" border="0" alt="" src="http://www.lydia-lunch.org/images/marc_viaplana_2004/03.jpg" height="148" /></a>Desde la edición de este libro Lydia Lunch no ha permanecido inactiva en enero de 2000 comenzó la edición de un libro que recoge fotografías realizadas por ella misma que se llamará "Wanted"; cuando un entrevistador le pregunto la razón de que siguiera en activo tras tantos años Lydia Lunch respondió: "Es la jodida necesidad de crear, y con el nacimiento de cada foto espero rellenar un espacio previamente habitado por fantasmas. Quiero hacerlo tangible, seguir expulsando los tabúes?" </p><p>Desde febrero de 2000 Lydia Lunch estuvo actuando en su gira "Dirty Little Sectrets show" por todo Estados Unidos de Norteamérica y Canadá. </p><p></p><p>Este artículo fue publicado en un webzine en 2000, para una i<em>nformación más actualizada y completa sobre Lydia visitar su </em><a href="http://www.lydia-lunch.org/"><em>página oficial</em></a><em>.</em></p>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1132542579576099582005-11-21T03:48:00.001+01:002010-03-10T23:25:04.851+01:00Joe Coleman: La persistencia del dolor<span style="font-size:85%;"><em>Javier M. de</em> <em>Pisón</em><em> - Nueva York</em></span> - <span style="font-size:85%;"><a href="http://www.wildseduction.com/Journalistic_Work/Joe_Coleman.html">Wild Seduction Webzine<br /></a></span><br />El dolor es probablemente el denominador común más frecuente en la historia de la humanidad. La gloria de las civilizaciones más excelsas se basa en gran medida en conquistas, cruzadas y colonizaciones de lugares «ajenos». Las religiones también se asientan en el dolor. El catolicismo, por ejemplo, escenifica repetidamente desde hace 2000 mil años un martirio de una crueldad ejemplar que termina en crucifixión, y una forma de demostrar la fe en la doctrina es hacer penitencia, sentir ese dolor.<br /><br />La influencia religiosa es de hecho decisiva en la obra de <strong>Joe Coleman</strong>, cuyos primeros dibujos fueron crucifixiones de Cristo, realizados mientras estudiaba en un colegio católico. Muchos años después se autorretrataría crucificado, inmerso en la angustia existencial, sufriendo el gran dolor de estar vivo. «La manera minuciosa en que pinto los detalles es una forma de expresar el dolor», comenta Coleman.<br /><br />Coleman "santifica" a los monstruos más temibles y despreciados por la sociedad en una serie de retratos que trazan la historia de asesinos múltiples, caníbales y psicóticos.<br />La persistencia del dolor es el tema central que Joe Coleman explora en sus cuadros de los personajes más abyectos de la humanidad y los trastornos psicológicos más extremos. Con la técnica minuciosa de un científico y la visión de un místico, Coleman reconstruye las complejas biografías de <strong>Nerón</strong> o <strong>Charles Manson</strong> en grandes lienzos. En torno a la figura central pinta múltiples escenas que describen los acontecimientos más relevantes de sus vidas, con el perfeccionismo de la iconografía religiosa medieval.<br /><br />En realidad, Coleman hace precisamente eso: santifica a los monstruos más temibles y despreciados por la sociedad en una serie de retratos que trazan la historia de asesinos múltiples, caníbales y psicóticos en general.<br /><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Una exploración del mal</span></strong><br /><br />Pero esta galería de monstruos no expresa simplemente una tendencia del pintor hacia lo macabro, lo obsceno o lo blasfemo, como puede parecer a primera vista, sino que constituye una profunda exploración psicológica de los personajes que retrata, de la sociedad y de sí mismo. Estas complejas pinturas, que él denomina «paisajes humanos» (<em>humanscapes</em>), son a la vez una descripción biográfica de sus vidas y una profunda interpretación psicológica de sus actos.<br /><br />Coleman conjura en su pintura ángeles y demonios, explora los laberintos de sus psiquis y se atreve a invocar a personajes demonizados por la sociedad, centrándose no sólo en la mitología maligna que representan, sino también en su lado humano, que nos acerca y nos equipara a ellos, infiriendo no sólo que cualquiera de nosotros podría haber cometido esos actos sino incluso que son avisos necesarios de una sociedad enferma. Uno de los aspectos más inquietantes de la obra de Coleman es la conexión psicológica que establece con los sujetos retratados en sus «paisajes humanos». Esto se debe en parte al arduo proceso que realiza antes de pintar un cuadro, estudiando las biografías de los personajes, leyendo sus obras e investigando en bibliotecas todo material de referencia. «Me identifico con los esquizofrénicos por la necesidad de expresar los problemas psíquicos que me atormentan para poder definir mi propia realidad, mi propia existencia en el mundo», afirma Coleman.<br /><br />El resultado es un pintura obsesiva en su detalle, de una intensidad casi psicótica, cuyos múltiples marcos contienen a su vez alegorías y símbolos de los personajes que retrata. En <strong>Cosmic Retribution</strong>, uno de sus libros, Coleman hace una de las afirmaciones más lúcidas respecto a los motivos de los asesinos en cadena: «Para algunas personas matar es la única forma de comunicación... Tanta es la desesperación por comunicar algo que aparentemente es imposible de comunicar».<br /><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Un Bosco de nuestros días</span></strong><br /><br />Pero el universo pictórico de Coleman, que tiene referencias a pintores como <strong>El Bosco</strong>, <strong>Brueghel</strong> el viejo y <strong>Grünewald</strong>, abarca también figuras como los escritores Edgard Allan <strong>Poe</strong> y Louis Ferdinand <strong>Celine</strong>, el cineasta <strong>Todd Browning</strong> y el mago Harry <strong>Houdini</strong>, entre muchos otros.<br /><br />La medicina es otro de los temas recurrentes en la pintura de Coleman, coleccionista de libros de anatomía que incluso se ha pintado ya muerto en un autorretrato titulado <strong>Autoautopsia</strong>. De hecho, pinta con frecuencia tumores, órganos tumefactos y otras expresiones de enfermedades en escenas y pequeños adornos simbólicos, y ha desarrollado una teoría que afirma que «el hombre es una enfermedad en la cual el planeta es el huésped... A medida que la enfermedad progresa, los tumores crecen. Los tumores son las ciudades, por lo que ahora el planeta está cubierto de tumores y la naturaleza tiene que producir formas de erradicar al hombre». Además, Coleman admite que su pintura es una forma de terapia, sin la cual no podría sobrevivir psicológicamente, porque le permite controlar el caos de sus sueños más enfermizos.<br /><br />Coleman reconoce la influenciado de la pintura religiosa medieval. En cambio, «la pintura renacentista como la de Miguel Angel y Da Vinci no me interesa porque desprecia el detalle», dice Coleman. «Los renacentistas estaban interesados en la estética de la pintura, pero yo doy la misma importancia a cada uno de los detalles de un cuadro porque cada uno tiene un significado. Ninguno es menor, no importa dónde esté: tiene un sentido en la pintura y está hecho con el mismo cuidado, acariciando la tela con el pincel».<br /><br />«La pintura moderna ?continúa? está también más interesada en la estética, en lo que sucede en la superficie, mientras que yo intento llamar la atención sobre algo que es diferente, que tiene que ver con lo que era el arte religioso. Yo no me identifico con eso que nuestra cultura denomina actualmente arte».<br /><br />El distintivo principal del arte iconográfico, dice Coleman, es que tiene un sentido de talismán, es algo que puede controlar grandes fuerzas interiores. «Por eso entiendo los intentos de los psiquiatras por descifrar esas fuerzas», comenta. «La psiquiatría intenta explicar lo inexplicable y creo que Freud transformó la Santísima Trinidad en el yo, el ego y el superego y envió a estos nuevos sacerdotes llamados psiquiatras a curar el alma o lo que el denominaba la psique».<br /><br /><span style="color:#ff0000;"><strong>Retratos del alma</strong><br /></span><br />Coleman explica que sus retratos resucitan o metamorfosean al sujeto, convirtiéndolo en un icono. «Es como si captara la esencia del personaje y la retuviera en el cuadro mediante conjuros y símbolos». De hecho, Coleman dice que pinta dos o tres marcos en cada lienzo «porque uno no es suficiente para retener el alma». El pintor equipara el proceso con el de una autopsia: «tienes que meterte dentro y excavar para encontrar lo que sea que ahí haya».<br /><br />Respecto al dualismo entre el bien y el mal, el hombre y la mujer, que expresa constantemente en su pintura, dice que se trata de una lucha por encontrarle sentido a su obra. «Soy católico y creo que el universo tiene un orden, pero no creo en un Dios con un sentido del bien y el mal», explica. «Me parece que las cosas que llamamos malvadas tienen un propósito, son parte del plan, de la naturaleza. Decir que Dios está contra eso es ridículo, no tiene sentido».<br /><br />La elección de los personajes para sus «paisajes humanos» es un proceso largo. «No hago planes ni borradores. Por lo general, tengo personajes en mente y empiezo a captar una sensación de lo que quiero pintar incluso antes de empezar. Si voy a pintar a Hank Williams (cantante de <em>country</em>), investigo todo lo que puedo sobre él: sus discos, biografías, recortes de periódico que encuentro en la biblioteca, y mientras lo hago el personaje se me va metiendo dentro, a partir de lo cual crece el retrato».<br /><br />El proceso es más complejo en el caso de sus autorretratos. «Pero incluso cuando pinto a Hank Williams se trata también de un autorretrato en cierta forma porque tomo de él los elementos que siento de forma personal. Por tanto, cada retrato es también un autorretrato; es como el método de actuación de Stanislavsky, en el que hasta cierto punto te conviertes en el personaje que estás encarnando».<br /><br /><strong><span style="color:#ff0000;">Pinturas perturbadoras</span></strong><br /><br />Los retratos de asesinos como <strong>Charles Manson</strong> o <strong>Carl Panzram</strong> son todavía más difíciles para Coleman, porque representan «un intento por indagar cosas sobre mí que son aún más perturbadoras». El pintor está convencido de que el mal tiene también una función positiva. «Manson o Panzram representan para nosotros el mal, de la misma forma que las culturas primitivas tienen la necesidad de representar a un dios tenebroso: porque es parte de la experiencia humana. Además, Manson se ha convertido ya en un símbolo: ha llegado a un punto en el que los medios de comunicación lo utilizan cada vez que quieren representar el mal más ignominioso».<br /><br />El retrato de Manson explica de dónde proviene y ofrece un recuento de lo que hizo, pero no lo juzga. «Mis obras se basan en la identificación», explica Coleman. «Escogí a Manson porque es una persona con la que nadie quiere identificarse. La sociedad puede intentar convertirle en algo malvado, pero la única forma de entenderlo es ponerse en su lugar. Representa una parte de uno mismo que hay que conocer».<br /><br />«Matar es una forma de decir: 'Yo existo, estoy aquí', es una forma de hacer que la existencia sea, de alguna manera, importante», comenta Coleman. Actualmente, continúa, la razón por la que la gente mata es la autoestima: «Matan para ser alguien».<br /><br /><br /><span style="font-size:85%;"><u>Referencias</u></span><br /><span style="font-size:85%;"></span><br /><span style="font-size:85%;"><em>1. Original Sin: The Visionary Art of Joe Coleman. Eds: Heck editions (1998). </em></span><br /><span style="font-size:85%;"><em>2. Cosmic Retribution. Eds: </em></span><a href="http://www.feralhouse.com/"><span style="font-size:85%;"><em>Feral House</em></span></a><span style="font-size:85%;"><em> and Fantagraphics Books (1992). </em></span><br /><span style="font-size:85%;"><em>3. The Man of Sorrows. Eds: Gates of Hecks (1992).</em> </span><br /><br /><span style="font-size:85%;">Coleman grabó también un disco titulado<strong> "Infernal Machine"</strong> en los años 70 con su banda, llamada <strong>Steel Tips</strong> (Blast First Records). </span><br /><br /><span style="font-size:85%;">Además, el cineasta húngaro <strong>Robert Pejo</strong> ha realizado un documental sobre el artista titulado <strong>"R.I.P.: Rest in Pieces." </strong>[</span><a href="http://akas.imdb.com/title/tt0178858/"><span style="font-size:85%;">Ficha en IMDB</span></a><span style="font-size:85%;">] En ella interviene además el cineasta independiente Jim Jarmusch ("Cofee & Cigarrettes", "Ghost Dog"). Coleman participó también en el proyecto<strong> "Scarlet Diva"</strong>, la ópera prima de Asia Argento como directora. </span><br /><br /><span style="font-size:85%;">Para obtener información completa sobre exposiciones y publicaciones de Joe Coleman, consultar en internet: </span><span style="font-size:85%;"><a href="http://www.joecoleman.com/">http://www.joecoleman.com/</a> </span><br /><br /><br /><br /><br /><u></u>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-19138158.post-1132457775229046682005-11-21T01:28:00.001+01:002010-03-10T23:25:19.279+01:00Mishima<em><span style="font-family:verdana;color:#ff0000;">"The most appropriate type of daily life for me was a day-by-day world destruction. Peace was the most difficult and abnormal state to live in. (...) No moment is so dazzling as when everyday imaginings concerning death and danger and world destruction are transformed into duty."</span></em><br /><br /><span style="font-family:verdana;">-<span style="font-size:85%;">Yukio Mishima. [</span></span><a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Yukio_Mishima"><span style="font-family:verdana;font-size:85%;">Wikipedia</span></a><span style="font-family:verdana;font-size:85%;">]</span><br /><span style="font-family:Verdana;font-size:85%;"></span><br /><span style="font-size:85%;"></span><br /><span style="font-size:85%;"><span style="font-family:arial;font-size:130%;">¿No es un buen comienzo?</span> </span>Sergio Pereahttp://www.blogger.com/profile/16792423325658658144noreply@blogger.com1